La fantasía frente a la experiencia vivida
Ahora que llevo más de 15 años dedicándome al arte, echo la vista atrás y veo a esa versión de mí misma, con los ojos llenos de ilusión, cuando era una artista emergente llena de ganas, e intento conciliar algunas de las ideas preconcebidas y expectativas sobre lo que significa ser artista que, sencillamente, no se corresponden con mi experiencia real. Voy a contarte algunas de estas fantasías, ya que chocan con la realidad de la inestabilidad del estudio, la falta de tiempo, la sobrevaloración de la tecnología y el rechazo o el fracaso constantes.
Mito #1: Una experiencia maravillosa en el estudio
Lo que me imaginaba
Me cautivaron esos espacios industriales sin pulir en los que trabajaban los artistas consagrados. Los enormes ascensores de carga con persianas de madera, las altas paredes blancas o las hileras de ventanas antiguas de cristal creaban una escena romántica en mi mente mientras me imaginaba fotografiando, editando o pintando en esos espacios. La imagen que tenía de techos enormes, suelos de hormigón y un caos creativo con materiales esparcidos por todo el suelo se fue desmoronando poco a poco, pero sin lugar a dudas, a medida que me enfrentaba a la realidad de mudarme a mi propio espacio.
¡Mi primer estudio tras terminar el máster fue un comienzo prometedor! Ahorré todo lo que tenía viviendo con mis padres y destinando mis ingresos a un pequeño espacio de 60 pies cuadrados, con marcas de cinta adhesiva en el suelo y dos medias paredes de contrachapado, en un espacio compartido con más de 20 artistas de técnica mixta. Había pintores, joyeros, escultores, ceramistas y fotógrafos, todos compartiendo el mismo espacio lleno de energía y creatividad en la planta baja del 87 de Wade, un edificio industrial histórico donde se vive y se trabaja, situado en el extremo oeste de la ciudad.
Lo que pasó realmente (mudanzas, alquiler, infraestructuras estropeadas)
El espíritu de comunidad era contagioso, y las largas jornadas de trabajo se convertían fácilmente en noches tranquilas en las que tomábamos algo y charlábamos mientras compartíamos obras de arte. Por desgracia, cuando los precios de los alquileres del edificio se dispararon y las oficinas de las cuatro plantas se renovaron para convertirlas en elegantes espacios comerciales destinados a empresas tecnológicas y creativas de alto nivel, nos vimos obligados a marcharnos.
Desde entonces, como muchos otros artistas, me vi obligado a cambiar de estudio cuatro veces en un periodo de cinco años. Casi todos los años tenía que buscar un nuevo local por alguna razón pesada y poco original: que el edificio se reformara para subir el precio, que se acabara el plazo de la residencia o incluso que hubiera un robo con allanamiento grave.
Lo que me hubiera gustado saber
Estar encerrado en naves industriales con sótanos húmedos, baños reformados, ventanas rotas, sin aire acondicionado ni calefacción adecuada se volvió agotador, desmoralizador e insostenible. Esto me lleva al siguiente punto (y a una amarga constatación): me pasaba todo el tiempo intentando mantener mi trabajo sin tener tiempo suficiente para dedicarme realmente a él.
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Mito #2: Tendrás todo el tiempo que quieras para dedicarte al arte
El trabajo que no se ve (administración, propuestas, facturación, marketing)
Aunque la imagen que da Instagram te haga pensar que los artistas se pasan todo el día sentados en sus estudios tipo loft pintando, la realidad es, por desgracia, mucho más aburrida. Todo ese tiempo interminable en el estudio que te imaginas que tienes para hacer bocetos, fotografiar modelos o experimentar con el torno de alfarero simplemente no encaja con la realidad de las tareas administrativas y logísticas que conlleva mantener una carrera artística.
Calculo que dedico un 80% de mi tiempo a redactar propuestas para exposiciones, solicitar subvenciones, preparar facturas, editar fotos, crear vídeos para marketing y redes sociales, asistir a reuniones o dar clases para complementar mis ingresos. Aunque la afirmación de que los artistas o fotógrafos tienen total autonomía, sin horario fijo ni jefe directo, es técnicamente cierta, creer eso es ignorar la realidad.
En realidad, esta autonomía consiste en compaginar un montón de trabajos como autónomo, como dar clases, solicitar subvenciones, cuidar de otras personas, hacer trabajos extra, cumplir con otros plazos y lidiar con la inestabilidad económica que, inevitablemente, conlleva una carrera en el mundo del arte. Por desgracia, no: los artistas no tienen libertad para dedicarse al arte todo el día.
El mito de la “libertad”: un análisis realista del tiempo
La triste realidad es que el placer y la alegría que nos da hacer el trabajo especializado para el que nos hemos formado a menudo solo supone entre 10% y 20% de nuestro tiempo.
Ser artista supone un tira y afloja constante que desvía nuestra concentración y atención hacia otras direcciones, para poder conseguir las oportunidades, los conciertos y las exposiciones que nos permiten presentar y crear nuestra obra. Este malabarismo suele tener consecuencias negativas para la salud mental y física del artista, ya que no es una forma de trabajar sostenible.
El mito de la libertad es una de las falacias más seductoras sobre lo que significa ser artista. Pero, en la práctica, esa libertad suele venir condicionada por unos ingresos inestables, el trabajo no remunerado, los proyectos puntuales y la falta de prestaciones o de seguridad a largo plazo.
Mito #3: La tecnología nueva y brillante te convertirá en un mejor artista
Las herramientas pueden ayudar, pero no sustituyen a la visión
A todos nos ha pasado alguna vez que pensamos que una tableta nueva y cara, un lápiz óptico o un nuevo objetivo macro nos van a ayudar a cumplir nuestros sueños mucho más fácilmente. O que esa marca concreta de pintura al óleo va a ser decisiva para el éxito o el fracaso de nuestra carrera.
Bueno, claro, yo mismo he caído en esta trampa una y otra vez, así que puede que esto sea uno de esos casos de “haz lo que digo, no lo que hago”. En realidad, las herramientas no nos convierten en mejores visionarios. El talento y el esfuerzo que se necesitan para mantener una práctica artística son, en realidad, lo que impulsa nuestra capacidad como artistas y creativos.
El peligro de sobrevalorar la tecnología (y subvalorar las habilidades)
Es posible que ese equipo o esos materiales tan atractivos te ayuden a ganar confianza, a agilizar una tarea o a igualar las condiciones técnicas, pero no le des demasiada importancia a lo que un programa sofisticado o una impresora 3D puedan hacer por ti. Esta sobrevaloración hace que se menosprecien las habilidades artísticas y los conocimientos técnicos reales que conlleva ser artista, ya que cada vez hay más opiniones que simplifican o menosprecian el trabajo de un fotógrafo.
Estos comentarios se convierten en ideas erróneas muy extendidas, como “Los fotógrafos solo tienen que pulsar un botón” o “La cámara hace todo el trabajo”. Si eso fuera cierto, la cámara y el equipo de iluminación más sofisticados del mundo producirían las mejores obras de arte. Sabemos que eso no es así, y esta idea menosprecia los años de experiencia, sabiduría y conocimientos que se adquieren al comprender el momento oportuno, la edición, la composición, la dirección o incluso cómo se mueve y se transforma la luz del sol con el paso del tiempo.
Tómate esto muy en serio: No hay ninguna herramienta, técnica ni programa generado por IA que pueda sustituir de verdad a la visión artística.
Mito #4: El éxito significa visibilidad (y menos rechazos)
El rechazo no se acaba, sino que se repite
Y, por último, ese temido compañero inseparable de todos los creativos: el rechazo y el fracaso. Es desgarrador presentar constantemente solicitudes para oportunidades, exposiciones, premios o becas y acabar recibiendo el típico correo electrónico que dice: “Lamentamos informarte de que…”.
Este aspecto de nuestro sector creativo está presente independientemente de la etapa de tu carrera en la que te encuentres. La competencia por las escasas oportunidades sigue siendo constante, tanto si eres un artista consolidado, en plena carrera o emergente. Y, aunque es algo habitual, el rechazo puede ser devastador. Te sientes completamente invisible. Tu confianza se tambalea, dudas de tus propias habilidades y conocimientos, y no paras de compararte con otros artistas o proyectos.
Por desgracia, esto le pasa a todos los artistas (yo incluida) y no se me ocurre ningún buen consejo para combatir esa desesperación agobiante, aparte de zambullirme en una pinta de helado de matcha, ver programas de telerrealidad y acudir a terapia para procesar esos sentimientos.
La mayor parte del trabajo artístico pasa desapercibido
Cuando hablamos de atención, nuestras expectativas de éxito se centran en el reconocimiento: exposiciones, publicaciones, premios. Y nos olvidamos de que la mayor parte del trabajo artístico se desarrolla durante largos periodos de invisibilidad. A menudo, los proyectos tardan años en completarse y apenas reciben reconocimiento externo; muchas solicitudes se quedan sin respuesta.
El reconocimiento, cuando llega, suele ser parcial y temporal. Lo habitual no es la visibilidad, sino el anonimato salpicado de breves momentos de atención.
La perseverancia como verdadero factor diferenciador
Cuando miro a artistas más consolidados que han mantenido carreras largas con proyectos o perspectivas frescas y variadas, me parece que estos artistas tan reconocidos son tenaces, sabios y están siempre dispuestos a aguantar más rechazos de los que uno pensaría que pueden soportar. Quizás sea una cuestión de supervivencia del el más persistente en lugar de ser el más apto, que es lo que hace falta como creativo para triunfar en el sector.
Lo que espero que te quedes de esto... y cómo seguir adelante
A todo el mundo le encanta la idea del artista. La imagen es fácil de imaginar: una figura que se mueve libremente por el mundo, guiada por la intuición, que convierte la luz en significado y que vive una vida marcada por la visión más que por la obligación. Al artista, sobre todo al fotógrafo, se le imagina como alguien que se fija en las cosas, que encuadra, que captura… y que crea un significado profundo que merece la pena compartir o mostrar al mundo.
Pero el romanticismo que rodea la experiencia de ser artista tiene su origen en las dificultades que plantea su aura resplandeciente. El error más grave es cómo el público en general (o los propios artistas) idealizan el imagen del artista, sin tener en cuenta las condiciones tan duras que hay que soportar para mantenerlo.
Quizá lo que todos necesitamos es recordar la diferencia entre la idea romántica de “ser artista” y la realidad de “tener una práctica artística”. Lo primero es un poco vago; ¿quién decide cuándo eres artista? A muchos artistas contemporáneos se les oye decir: “Si haces arte, entonces eres artista”.”
Esto último va directo al meollo de la cuestión: ser un artista en activo empieza a dar una idea del esfuerzo y la perseverancia que se necesitan para dedicarse al arte como profesión. Es probable que los mitos sobre lo que significa ser artista sigan existiendo; pero con una buena dosis de realidad, tú también puedes seguir adelante.
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