I musicisti sono noti per essere persone creative e, com’era prevedibile, tale creatività spesso va oltre la loro musica. Nello specifico, molti musicisti sono anche artisti al di là dei loro impegni legati alle tournée e alle registrazioni.
La musica e l'arte sono attività creative complementari che possono aiutare i musicisti a pagare le bollette, a risparmiare sui costi di produzione (perché assumere qualcuno per la copertina dell'album e il merchandising quando puoi farlo da solo?) o semplicemente a concedere un po' di tregua ai propri timpani.
Abbiamo intervistato cinque musicisti che, oltre alla loro carriera musicale, gestiscono anche aziende di design di successo ed espongono in fiere prestigiose. Sean Yseult dei White Zombie disegna sciarpe fantasia in vendita da Henri Bendel, Jay Ferguson degli Sloan sta realizzando la copertina del suo prossimo cofanetto, il cantautore (Portalo al Greek, Walk Hard: La storia di Dewey Cox) Dan Bern dipinge ritratti e paesaggi, il cantautore (Ultra Vivd Scene) Kurt Ralske ha esposto le sue installazioni video alla Biennale di Venezia e la batterista Liz Degen gestisce con successo un'attività di fotografia freelance.
Volevamo saperne di più sulle sfide di una vita creativa multidisciplinare. È possibile dedicare la stessa attenzione a ciascuna delle proprie attività creative? E, cosa è venuto prima: la musica o l’arte?
Sean Yseult, White Zombie
Durante gli studi alla Parsons School of Design, Yseult ha cofondato la leggendaria band metal White Zombie. Attualmente suona il basso negli Star & Dagger e gestisce una boutique dedicata alle sue sciarpe con motivi grafici, con il marchio Yseult Designs.
[La musica e l’arte] sono state in realtà intrecciate per tutta la mia vita. Quando avevo cinque anni, studiavo pianoforte ma disegnavo motivi intricati che assomigliano molto alle mie sciarpe di oggi. Mentre frequentavo la North Carolina School of the Arts per studiare arte e fotografia, mi intrufolavo nelle aule di musica per suonare il pianoforte e comporre. Poi, mentre studiavo alla Parsons, io e i miei compagni di corso abbiamo fondato i White Zombie. Per me sono sinonimi l’uno dell’altro.
Finora, nella mia vita musicale, ho lavorato soprattutto in collaborazione con altri. Per quanto mi piaccia, è davvero liberatorio creare qualcosa di proprio senza doverlo sottoporre a una decisione di gruppo. C’è un certo senso di soddisfazione quando fai tutto da solo, dall’inizio alla fine.
Il mio lavoro è pervaso da una atmosfera di oscurità e bellezza, che sia inquietante, dissoluta o divertente. Sono attratto da cose che alcuni trovano un po’ strane, ma il risultato finale è un’immagine che io trovo bellissima. Ho fotografato di tutto, dal demi-monde a un altare di teschi umani: tutti questi elementi occupano un posto di tutto rispetto nel mio mondo.
Jay Ferguson, Sloan
Ferguson è uno dei quattro membri della band Sloan, un gruppo rock canadese vincitore di un Juno Award, formatosi nel 1991. Contribuisce alla realizzazione delle copertine degli album e, insieme al compagno di band Chris Murphy, ha curato la grafica del cofanetto appena pubblicato dedicato al classico album degli Sloan ‘One Chord To Another’.
Sono cresciuto appassionandomi non solo alla musica, ma anche alle copertine dei dischi in vinile e al design degli album, forse perché ho iniziato a lavorare in un negozio di dischi usati all’età di 12 anni. Nella nostra band ci sono due studenti di arte, e io non sono uno di loro, quindi è logico che abbiamo sempre avuto un interesse per il modo in cui venivamo rappresentati. Non solo nella grafica degli album, ma anche nei video, nei poster e nella pubblicità.
Credo davvero che gli LP da 12 pollici siano il mio mezzo espressivo preferito. Adoro l’unione tra musica, materiale stampato, design e fotografia. La scelta del tipo di carta, il design della copertina, gli inserti, le etichette, la copertina apribile… il modo in cui combinare e collegare tutti questi elementi per creare un’opera coerente: tutto questo è davvero appagante, soprattutto quando senti di aver realizzato un ottimo disco e vorresti creare una confezione bellissima che lo accompagni.
Per il nostro ultimo doppio LP *Commonwealth*, volevo creare una copertina apribile che fosse un vero e proprio collage fotografico di elementi, delle dimensioni effettive di 12″ x 24″, senza alcun ricorso a “Photoshop”. Il tema centrale erano le carte da gioco con le nostre illustrazioni realizzate da Steve Manale. Ho preso tutti i pezzi e ho creato il collage. Seguendo la regola del “niente Photoshop”, ho fatto stampare un’etichetta con il titolo dell’LP e i titoli delle canzoni su carta e l’ho attaccata a un cartoncino da cassetta, in modo che tutti questi dettagli potessero essere aggiunti al collage vero e proprio. La copertina dell’album era una fotografia unica e originale.
Ogni singolo elemento dell’album — musica, grafica, fotografia — dovrebbe essere trattato con lo stesso livello di attenzione e cura, ma questa è solo una mia preferenza e opinione! Quando tutto si incastra alla perfezione, il risultato è davvero un’opera d’arte del XX secolo di grande valore.
Dan Bern, cantautore
Bern è un cantautore che ha anche scritto canzoni per una serie di film, tra cui ‘Get Him To The Greek’, ‘Drones’ e ‘Walk Hard: The Dewey Cox Story’. È anche un pittore di grande fama.
Nel 1998 ho avuto l'occasione di dipingere una stanza in un hotel per artisti davvero fantastico a New York City. Pensavo di restarci un paio di settimane, per dipingere qualcosa. Ci sono rimasto otto mesi e da allora non ho più smesso di dipingere. Per me è importante proprio quanto la mia musica.
Adoro il fatto che sia al di là delle parole, del linguaggio. Adoro il colore, l’odore della vernice, la concentrazione, tutto. La musica è fantastica perché è in qualche modo ineffabile, fluttua nell’aria. Ma un dipinto, quando te ne vai, rimane lì. Per me è come un miracolo quando guardo qualcosa e questa inizia a prendere forma sulla tela. Ancora non so come accada.
Per lo più dipingo ritratti o paesaggi. Mi piace osservare a lungo un soggetto, tornarci sopra e scoprire ogni volta qualcosa di nuovo. Qualche anno fa, nel New Mexico, ho dipinto la stessa vecchia torre dell’acqua circa 100 volte. Non so se si possa fare lo stesso con le canzoni. Anche se molte delle mie canzoni sono in chiave di Sol, quindi forse è la stessa cosa.
Kurt Ralske, cantautore
Ralske era il cantante e autore dei brani del gruppo Ultra Vivid Scene, sotto contratto con la 4AD, e continua a comporre musica al computer. È un artista figurativo le cui opere sono state esposte a livello internazionale (Biennale di Venezia, Guggenheim di Bilbao) ed è direttore di dipartimento presso la School of the Museum of Fine Arts di Boston.
Sono sempre stato appassionato sia di musica che di arte. Ho deciso di dedicarmi principalmente alla musica quando ero ancora piuttosto giovane, perché la musica mi dava una soddisfazione più immediata. Mi sembrava più diretta, più catartica. Inoltre, nella mia famiglia c’erano musicisti, ma nessun artista.
Ma l’arte come attività secondaria non si è mai interrotta. Era qualcosa che facevo sporadicamente, quando ne sentivo il bisogno. Da adolescente, andavo a visitare gallerie e proiezioni di film sperimentali a New York, a Soho, nell’East Village, al MoMA. A vent’anni, quando la mia band era in tour, andavo sempre nei musei, in qualunque città mi trovassi.
Quando si crea un’opera d’arte, si ha la sensazione che sia un messaggio destinato a durare nel tempo. La musica svanisce non appena si posa lo strumento. Forse proprio perché la musica è così effimera, in genere non viene presa in seria considerazione, come invece avviene per l’arte. Un’altra differenza tra arte e musica è che la creazione artistica è solitamente un’attività solitaria. Penso che un artista che incide da solo possa produrre buona musica, ma la musica davvero grande richiede un gruppo.
La cosa migliore che la musica e l’arte possano fare è stimolare lo spettatore a pensare fuori dagli schemi. La musica o l’arte descrivono un modo diverso di pensare o di sentire. Descrivono una forma di vita diversa. Lo spettatore prende in considerazione queste altre possibilità e se ne va con un nuovo modo di concepire la propria vita reale.
Forse queste nuove prospettive cambiano le speranze, gli obiettivi e i valori di chi le osserva. La musica e l’arte che amo hanno questo effetto su di me. Ho cercato di fare in modo che la mia musica e la mia arte avessero lo stesso effetto sugli altri, anche se, ovviamente, è molto difficile.
Liz Degen, batterista/fotografa
Degen è una batterista di Long Island che è passata dall’altra parte del mondo della musica, lavorando come grafica freelance e interna. Ha studiato al Fashion Institute of Technology e si occupa anche di web design e fotografia.
Sono stata un'artista per tutta la vita. Ho suonato il flauto dalle elementari alle superiori. Quando avevo 17 anni, mia madre comprò una batteria per mio fratello e non ci misi molto a rivendicarne una parte per me. Io e mio fratello abbiamo iniziato a suonare insieme e a comporre musica, e alla fine abbiamo formato una nostra band.
Durante il corso di laurea in Illustrazione al FIT, ho studiato disegno, pittura, grafica e fotografia. Quando ho capito che potevo davvero realizzare le mie opere d'arte per la band, il mio mondo si è improvvisamente allargato. Ho iniziato a creare disegni per magliette, volantini e copertine di CD non solo per la mia band, ma anche per gruppi musicali locali di tutta Long Island.
L'arte e la musica hanno molto in comune nel modo in cui possiamo sia crearle che apprezzarle, sia individualmente che in gruppo. La mia arte, sia digitale che tradizionale, riesce in qualche modo a riflettere la mia personalità senza che io ci provi nemmeno. A volte è il tratto, a volte sono i colori vivaci, a volte è la texture.
La musica mi ha davvero plasmato come designer, e credo che, indipendentemente dal genere di design in cui finirò per specializzarmi, troverò sempre conforto nelle mie radici rock ’n' roll.
