Nel primo articolo, Guida pratica per avvicinarsi all'arte pubblica, abbiamo esaminato le fasi che vanno dalla presentazione della proposta alla realizzazione del progetto. In questa seconda parte, approfondiamo gli aspetti più interessanti: le sfide artistiche e concettuali specifiche della realizzazione di opere d’arte pubblica.
Aspetti artistici e critici da considerare
Come artista, chiediti Qual è lo scopo o la motivazione che spinge a realizzare opere destinate al pubblico? e In che modo il mio lavoro cambia quando viene inserito in un nuovo contesto??
È inoltre importante porsi domande più generali, come ad esempio: perché gli spazi pubblici hanno bisogno dell'arte e In che modo il mio oggetto d'arte apporterà un beneficio alla comunità grazie alla sua collocazione in uno spazio pubblico? Mentre ci poniamo queste domande fondamentali, dovremmo anche considerare l’importante processo di traduzione che avviene quando trasformiamo la nostra produzione “ordinaria” in studio in opere d’arte destinate a vivere nella sfera pubblica, entrando in contatto e interagendo con i membri della comunità. Affronteremo i fattori concreti che dobbiamo prendere in considerazione, tra cui: scala e proporzioni, specificità del sito, materiali durevoli, nonché gli aspetti emotivi; per poi, infine, lasciar andare il nostro lavoro mentre si trasforma in qualcosa di nuovo.
Scala
Questo è probabilmente l’ostacolo più grande da superare quando si realizzano opere d’arte per gli spazi pubblici. Quando si preparano opere destinate a uno spazio specifico e a un pubblico ampio, la scala pone sfide estetiche e concettuali che coinvolgono numerose discipline, tra cui la scultura, la fotografia, la pittura e persino l’arte digitale.
Ampliamento può sembrare ingannevolmente semplice. Tuttavia, non è così facile come limitarsi a ridimensionare il proprio modello, collage o scultura da tavolo per adattarlo a dimensioni maggiori. Per qualsiasi opera, occorre tenere conto di aspetti fisici legati allo spazio: ci sono linee visive, soffitti, altezze delle pareti o scale che ostacolano la visione di ogni aspetto dell’opera d’arte? Se l’opera d’arte si trova in un corridoio pubblico o in una scala molto stretta, lo spettatore non potrà indietreggiare abbastanza per osservarla nel suo insieme; è quindi necessario incorporare piccole vignette all’interno della composizione più ampia per garantire coerenza e senso visivo. Poiché in un corridoio pubblico stretto è visibile solo 3 – 4 piedi alla volta, l’artista deve considerare quanto ravvicinata sarà la visione.
The Birds, Myfanwy MacLeod, 2010, acciaio inossidabile, schiuma EPS con rivestimento rigido, bronzo, Milton Wong Plaza presso l’Olympic Village, Vancouver, BC
Nel caso delle opere scultoree, il problema più comune è quello delle proporzioni; occorre infatti tenere conto del contesto e dell’armonia dell’opera rispetto all’ambiente circostante. Un’opera può infatti apparire troppo grande per lo spazio a disposizione, facendo sentire gli spettatori sopraffatti o minuscoli; oppure, al contrario, troppo piccola, al punto da perdersi nell’ambiente o da non avere alcun impatto.
Se considerata dal punto di vista massimalista e minimalista, la scala può invece giocare a tuo vantaggio. Ad esempio, in La scultura di Myfanwy Macleod intitolata “The Birds”, l’artista porta il minuscolo e onnipresente passero a dimensioni monumentali. Appollaiata su una panchina cittadina, l’opera si integra perfettamente con l’infrastruttura, e gli uccelli stessi appaiono al tempo stesso intimi ed enormi. Oppure, in Di Micah Lexier Due cerchi, l’artista gioca con la tensione delle proporzioni, passando lentamente da un effetto travolgente a uno intimo; due cerchi, uno aperto e uno chiuso, apparentemente semplici, dominano le pareti bianche di un’ampia hall. Osservando più da vicino, lo spettatore nota che la parete è costituita da piastrelle in ceramica realizzate a mano con grande cura e incastrate tra loro, creando un ritmo mozzafiato. Per Lexier, è il piccolo dettaglio, la parte del tutto, a risultare sublime, mentre le vedute più ampie trasmettono qualcosa di “più semplice”. La poesia e l’eleganza nascono dalla confluenza degli estremi: intimità e grandiosità, ciò che è tattile e ciò che è visivo, armonia e senso di frammentazione. Alcune opere d’arte pubbliche possono fraintendere profondamente il gesto minimalista e la possibilità trasformativa della scala. A volte il suono giusto, se amplificato, diventa intollerabile.
Micah Lexier, Two Circles, 2016, due pareti – 30 x 26 piedi e 47 x 24 piedi, listelli di piastrelle in ceramica smaltati e tagliati a mano, Bay Adelaide Centre East Tower, Toronto (Ontario), immagini protette da copyright CBC
Specificità del sito
Credo che un principio fondamentale nella realizzazione di opere d’arte pubblica sia la necessità di interagire con il contesto specifico del luogo: gli edifici circostanti, gli stili architettonici, l’aspetto generale del quartiere, la storia del luogo e della sua gente.
Sebbene non sia sempre un criterio fondamentale per l’arte pubblica nei bandi di gara (RFP) o nelle linee guida progettuali, la specificità del sito è fondamentale per valorizzare lo spazio pubblico in modo positivo e significativo.
Ultimamente si è diffusa la tendenza a presentare forme geometriche vuote e banali spacciandole per sculture moderniste che stimolano la riflessione; basti pensare alle imitazioni di Mark Desuvero, Alexander Calder o Henry Moore collocate in una piazza deserta o davanti a un nuovo complesso residenziale. Questo formalismo zombie sembra avere ben poco a che fare con l’architettura o lo spazio circostante. La scultrice britannica Rachel Whiteread definisce questo fenomeno ‘plop art’, ovvero una tendenza in cui l’oggetto “non ha in realtà alcuna attinenza con nient’altro. […] L'arte è diventata estremamente popolare, il che è fantastico per molte ragioni, ma penso che gran parte della scultura pubblica sia mal concepita e collocata in luoghi dove non dovrebbe necessariamente trovarsi. Diventa così qualcosa di quasi invisibile. La gente non se ne accorge nemmeno. Penso che l'arte esista per un motivo e che debba essere rispettata e osservata […].”
Per evitare questo rischio, occorre tenere presente il tipo di spazi in cui verrà collocata l’opera e il modo in cui le persone interagiranno con essa. Ecco alcune possibili ubicazioni per l’arte pubblica da prendere in considerazione:
- corridoi di transito
- al di fuori delle istituzioni accademiche o delle biblioteche
- al centro di una piazza pubblica, accanto ad alberi, panchine e una fontana
- attraverso i ponti pedonali o le isole spartitraffico
Ogni luogo presenta sfide diverse in termini di progettazione, materiali e logistica, oltre che per quanto riguarda altri fattori. Quando si realizza un’opera d’arte destinata al pubblico, occorre tenere sempre ben presente il pubblico di quel luogo o di quella comunità.
Sotterraneo
Una masterclass sorprendente e affascinante sulla specificità del luogo e sulla trasformazione del quotidiano, Il Masstransiscope di Bill Brand trasforma i vagoni della metropolitana delle linee B o Q diretti a Manhattan, in partenza dalla stazione di DeKalb Avenue, in una macchina cinematografica. Un’esperienza monotona diventa magica quando uno zoetropo colorato e animato avvolge i passeggeri mentre il treno attraversa il tunnel. Qui il pubblico è composto da persone che solitamente sono intente a utilizzare i propri dispositivi, a leggere libri o a schiacciare un pisolino, ma che vengono improvvisamente coinvolte da questo film che si svolge intorno a loro. Con un pubblico attento ma annoiato, ci sono ottime possibilità di offrire loro qualcosa di inaspettato e di deliziarli
All'aperto
I suoi lunghi capelli neri da Janet Cardiff accompagna i partecipanti in un’esperienza audiovisiva immersiva insieme all’artista. Durante una passeggiata di 46 minuti attraverso Central Park a New York, Cardiff, presente attraverso suoni e immagini, stimola la riflessione sul rapporto tra natura, architettura, tempo, suono e fisicità. Intrecciando osservazioni in stile flusso di coscienza e confondendo eventi di fantasia con la vera storia locale, il narratore invita a osservare le fotografie d’archivio e a confrontare la storia del parco con l’esperienza che se ne ha nel presente, utilizzando la cornice del passato per stimolare un nuovo modo di godersi il parco.
Chi ama le passeggiate e la natura – un pubblico già di per sé tranquillo e contemplativo – è perfettamente in sintonia con quest’opera d’arte, che richiede tempo e la volontà di guardarsi intorno.
In città
Sovvertire gli spazi pubblicitari può essere un gesto artistico di grande impatto, se si riflette sul modo in cui le immagini si inseriscono nel rumore visivo di una città. Ciò mette in evidenza quanto la nostra esperienza quotidiana dell’ambiente circostante sia permeata da strategie di marketing volte a venderci un prodotto o un’idea. Quando si pianifica una mostra d’arte pubblica utilizzando spazi destinati alla pubblicità, come cartelloni, pannelli e schermi LED, occorre considerare come la sostituzione del marketing con un’opera d’arte modifichi sia il significato dello spazio che quello dell’opera stessa, aggiungendo un livello di complessità a entrambi. Lo spazio cambia il modo in cui gli spettatori interagiscono con l’immagine, specialmente nel contesto degli edifici, delle strutture e del paesaggio urbano circostanti. Quando scene molto private della vita familiare o quotidiana vengono messe in risalto ed esposte in pubblico, spesso si crea una dissonanza cognitiva tra pubblico e privato; si può avere la sensazione di sbirciare qualcosa che non si dovrebbe vedere, forse qualcosa di troppo intimo per essere mostrato per strada.
Puoi sfruttare questa specificità del luogo a tuo vantaggio quando metti in relazione una piazza cittadina, un lussuoso condominio con facciata in vetro o un magazzino commerciale in mattoni in un dialogo diretto o in contrasto con la tua opera d’arte.
In una città dove le persone si muovono in fretta e lanciano solo sguardi fugaci, questo è uno spazio in cui è possibile invogliare i passanti a rallentare con un elemento di richiamo accattivante, oppure semplicemente rendersi conto che il pubblico si limiterà a coloro che continuano a guardare, leggere e osservare ciò che li circonda.
Jessica Thalmann, “cut between the supports and collapse (Hands)”, 2022. Foto: Toni Hafkenscheid. Per gentile concessione dell’artista e dello Scotiabank CONTACT Photography Festival.
Materiali
Probabilmente dovrai tradurre le tue idee in materiali scultorei più durevoli. I materiali tradizionali utilizzati per la scultura pubblica o i monumenti includono il bronzo fuso, la pietra, le piastrelle in ceramica, il vetro, il cemento e vari tipi di acciaio inossidabile o corten, resistenti agli agenti atmosferici e di facile manutenzione. Se stai realizzando un’opera bidimensionale come un murale, un dipinto, una fotografia o qualsiasi materiale stampato, è importante selezionare le vernici, i sigillanti e i rivestimenti UV adeguati che massimizzino la durata della superficie, dei pigmenti e dei colori. Assicuratevi di testare nuove marche che potrebbero introdurre innovazioni in termini di durata e conservate i vostri modelli, stampi e copie delle schede di sicurezza per ogni prodotto che utilizzate nel vostro oggetto d’arte. A tal proposito, per risolvere eventuali intoppi e correggere gli errori di produzione lungo il percorso, effettuate numerosi test con questi nuovi materiali, prima su scala ridotta e infine su scala reale, assicurandovi che non ci siano sorprese in quella fase.
Parte di questo processo consiste nel collaborare con altri produttori, saldatori, ingegneri, studi e fornitori specializzati in questi materiali o tecniche durevoli. Ciò può includere il taglio a getto d’acqua, la saldatura, la lavorazione dei metalli su larga scala, la progettazione illuminotecnica, la stampa 3D, il taglio laser, la stampa diretta sul substrato, la progettazione grafica e i servizi di montaggio. Ti consiglio vivamente di valutare diversi metodi con cui puoi ottenere il risultato desiderato e, partendo da lì, di individuare studi e produttori. Scegli un partner con cui instaurare un rapporto di collaborazione positivo. Lavorerete con questi produttori, artigiani e tecnici per molto tempo e, in alcune situazioni particolarmente stressanti, un’ottima comunicazione e fiducia saranno fondamentali per mantenervi entrambi sulla stessa lunghezza d’onda. Un altro aspetto da tenere in considerazione è la sostenibilità e il modo in cui i vostri sforzi per creare qualcosa di nuovo possano integrare supporti, superfici o oggetti di recupero. I materiali riciclati, compresa la gomma, sono stati recentemente integrati con successo in opere d’arte e parchi; un esempio di ciò è visibile in I “Water Guardians” di Daniel Borins e Jennifer Marman scultura a Toronto. I canali d’acqua realizzati in gomma riciclata si integrano con i terrapieni verdi e offrono una superficie elastica su cui i bambini possono giocare e interagire con gli elementi acquatici.
Lasciar andare
Questa è probabilmente la lezione più difficile da imparare: una volta che un’opera d’arte entra nel dominio pubblico, non appartiene più all’artista.
Nel bene e nel male, l’opera d’arte assume una vita propria. I membri della comunità interagiscono con l’opera e si creano nuovi legami tra lo spettatore e l’opera, tra l’opera e il luogo, che assumono un significato profondo man mano che i visitatori apportano le proprie esperienze all’opera d’arte e al sito. Altri riterranno che l’opera d’arte sia inevitabilmente oggetto di critiche e, in alcuni casi, di atti di vandalismo.
Ci sono alcune lezioni, apprese a caro prezzo da artisti affermati, su come l’opinione pubblica possa plasmare e trasformare il significato e la durata dell’arte pubblica, e questi sono tutti fattori da tenere in considerazione nell’ideazione e nella realizzazione del vostro progetto. Il vostro pubblico, se ben considerato e coinvolto nell’opera, può diventare il custode dell’arte.
Dagli esempi sopra riportati risulta chiaro che l’arte pubblica può rappresentare una sfida artistica e concettuale per gli artisti in qualsiasi fase della loro carriera. Vi incoraggio ad affrontare i problemi logistici ed estetici che accompagnano la sua creazione, perché per ogni difficoltà che si presenta, c’è anche un’opportunità.
Ti divertirai (e sarai stressato), Te lo prometto.
