La capacità di catturare il movimento in un'immagine fissa è uno degli aspetti più emozionanti della fotografia, e forse uno dei più difficili da padroneggiare. Un'attenta combinazione di impostazioni dell'attrezzatura, esperienza, talento, tempismo, leggi della fisica e un pizzico di fortuna devono unirsi per realizzare lo scatto in movimento perfetto.
Che si tratti di riprese di musica dal vivo, di ballerini e atleti in azione, di auto che percorrono un'autostrada o di panni alla deriva nella brezza, i soggetti in movimento sono difficili da catturare. Per capire come catturare grande fotografia d'azione, abbiamo chiesto ad alcuni maestri della fotografia incentrata sul movimento i loro migliori consigli. I fotografi Miki Avila, Diego Texera, Emilie Möri, Arkadiusz Branicki e Greg Gallinger pesare.
1. Decidere se puntare sul realismo o sull'astrazione.
Stabilite se l'immagine richiede un'immagine nitida di immobilità o un'immagine più impressionistica di colori e forme. Entrambe possono essere belle: tutto dipende dal vostro gusto personale e dalle preferenze del cliente. Una luce bassa o un otturatore lento possono creare linee più morbide. Questo può essere interessante quando si segue un punto di movimento esteso o tortuoso, come i fari su una strada buia che appaiono come strisce gialle o il braccio di una ballerina che sfuma nella forma di un port de bras. Questa tecnica è particolarmente bella su pellicola.
Il congelamento del movimento richiede una potenza elevata e un otturatore veloce. Si pensi a un tennista a metà del suo movimento o a una gonna voluminosa che si gonfia al vento. Tutti catturano la sensazione di movimento catturato con un'energia tesa.
“Vogliamo congelare il movimento o vogliamo che il movimento sia percepito?”, chiede Miki Avila, fotografo madrileno che spesso scatta sui set cinematografici, dove è fondamentale catturare l'azione frenetica. Avila ha anche fotografato atleti per Adidas. E aggiunge: “Penso che il punto di partenza di tutto sia la luce e la quantità di luce che possiamo avere sulla nostra scena, naturale o con apparecchiature di illuminazione”.”
Greg Gallinger condivide un aneddoto sui diversi modi di mostrare il movimento: “Recentemente ho scattato una foto di un uomo in piedi a un passaggio a livello in attesa del passaggio di un treno. Ho rallentato l'otturatore quel tanto che bastava per far apparire il treno come una linea orizzontale sfocata attraverso la scena, ma l'uomo era nitidissimo. Questo dà l'impressione che il treno stia davvero sfrecciando: non sarebbe stato altrettanto efficace se fosse stato completamente a fuoco”. Gallinger è un fotografo canadese che spesso fotografa gruppi musicali dal vivo e scatti d'azione d'atmosfera.
2. Attenzione all'illuminazione
La quantità di luce che entra nell'inquadratura ha a che fare con l'esposizione e la nitidezza, ma questo lo sapevate già. Essere consapevoli di ciò che l'illuminazione disponibile consente di catturare e di come manipolare la luce se si desidera un determinato effetto è necessario per ottenere lo scatto desiderato. Detto questo, la composizione e la messa a fuoco regnano ancora sovrane.
“Una buona quantità di watt per l'illuminazione - flash o continua - è sempre molto utile”, spiega Avila. “Se state riprendendo un progetto in cui dovete muovervi e risolvere le cose rapidamente, l'uso di un'apertura maggiore vi aiuterà a ottenere una maggiore nitidezza”.”
“La migliore risorsa per congelare il movimento è la luce”, afferma Diego Texera. “Non si possono fotografare oggetti in rapido movimento senza di essa”. Texera è un fotografo di Miami che ha scattato foto piene di azione per artisti del calibro del Cirque de Soleil e di Gatorade.
3. Impostare la scena
Se vi state preparando per un cliente, fate i compiti a casa. Scoprite che cosa volete ottenere e che cosa dovete evitare. Preparate la scena tenendo conto del movimento per avere un maggiore controllo sul risultato. Fate qualche scatto di prova una volta arrivati sul set, in modo da essere a vostro agio e pronti ad adattarvi al movimento intorno a voi, se necessario. È utile anche conoscere la macchina fotografica come il palmo della mano: dovete essere pronti a fare regolazioni rapide.
“Non limitatevi a scattare le foto, ma fatele”, consiglia Texera. “Pianificate di testare le angolazioni e di provare cose nuove, ma date sempre al vostro mestiere il tempo e il rispetto che merita, preparandovi”. Gallinger è d'accordo: “Una volta arrivato in un luogo, faccio qualche scatto di prova e regolo le mie impostazioni di conseguenza. Per la musica dal vivo, faccio qualche scatto alla band di apertura per valutare le condizioni di luce”.”
4. Imballaggio leggero
Che si tratti di una strada trafficata o di un locale affollato, scattare in un'area ad alta densità di traffico può essere difficile quando ci si porta dietro un sacco di attrezzatura. Scoprite quali sono gli elementi di base di cui avete bisogno e imparate a utilizzarli a vostro vantaggio.
“Non mi piace essere appesantito durante le riprese, quindi decido in anticipo quale attrezzatura portare”, dice Gallinger. “Una volta portavo una borsa a tracolla con tutti i miei obiettivi, ma oggi raramente cambio obiettivo durante le riprese. Ho entrambe le mie fotocamere, una con un grandangolo e l'altra con un teleobiettivo”.”
5. Conoscere i soggetti
Se state fotografando il corpo di qualcuno, è utile conoscere la persona che c'è dietro. Essere consapevoli della personalità del soggetto aiuterà l'immagine risultante a essere dinamica e unica. La comunicazione è fondamentale. Se il soggetto è a suo agio, lo si leggerà nell'immagine.
“Ogni modella mi insegna qualcosa di nuovo”, racconta Branicki. “In una sessione di danza classica che ho girato, stavo cercando di spiegare una figura complicata e la donna mi ha interrotto dicendo: ‘Non spiegare, sono una ballerina. Mostrami solo cosa fare, io lo farò e tu dirai che è perfetto’. La ammiro per questo”.”
6. Gli accessori sono fondamentali
Utilizzare oggetti di scena creativi per rendere tangibile il movimento. Potendo vedere l'effetto a catena di come il movimento fluisce non solo attraverso il corpo, ma anche attraverso un oggetto di supporto, lo spettatore ha una maggiore percezione del movimento rappresentato.
“Uso tutti gli elementi che ho, la mia immaginazione, il mio telecomando e l'editing su Photoshop per ottenere un risultato che si avvicini al mio obiettivo”, dice Emilie Möri. Con sede in Francia, Möri crea fotografie d'autore uniche e incentrate sul movimento. “L'uso dei movimenti del corpo umano e dei capelli dà un tocco dinamico alla mia fotografia”, aggiunge.
7. Comprendere il corpo
Conoscere il movimento della struttura scheletrica, il modo in cui gli impulsi attraversano il corpo e i momenti precisi di stacco per i salti è fondamentale per immortalare atleti veloci, ballerini energici, modelle espressive e musicisti frenetici. La conoscenza di come si muove il corpo umano non solo vi permetterà di sentirvi più sicuri con i vostri tempi, ma influenzerà anche la vostra conoscenza di angolazioni e posizioni lusinghiere, oltre a rendervi più consapevoli di ciò che è sicuro per il vostro soggetto. Non volete che qualcuno si sloghi una caviglia.
“Spesso devo iniziare con uno scatto statico per capire l'anatomia”, dice Arkadiusz Branicki, fotografo polacco specializzato in ritratti creativi di nudo. “Bisogna osservare come il corpo si muove e quanto può fare. Anche il disegno è utile. Le mie pareti sono ricoperte di disegni, così posso analizzare le mie idee”.”
8. Conoscere i vantaggi dell'autofocus
Potrebbe sembrare un imbroglio, ma alcuni movimenti sono semplicemente catturati meglio con la messa a fuoco automatica. I fotografi della vecchia scuola possono giurare di usare la messa a fuoco manuale, ma se si vuole ottenere una linea nitida in condizioni di scarsa illuminazione, l'autofocus è la strada da percorrere. I vostri occhi non sono nulla in confronto alla tecnologia di oggi.
“Molti fotoreporter si affidano all'autofocus, non perché non siano in grado di mettere a fuoco manualmente, ma perché quando si tratta di ottenere una messa a fuoco nitida non sempre si può fare affidamento sugli occhi o sulla prontezza di riflessi”, spiega Gallinger. “Questo vale soprattutto per le riprese sportive o naturalistiche, ma anche per la musica dal vivo. È meglio avere foto nitide che un falso senso di superiorità”.”
