La fantasia contro l’esperienza vissuta
Ora che esercito la professione di artista da oltre 15 anni, ripenso a quella versione di me stessa piena di entusiasmo, da artista emergente, e cerco di riconciliare alcune delle convinzioni e delle aspettative legate al mestiere di artista che semplicemente non rispecchiano la mia esperienza vissuta. Racconterò alcune di queste fantasie, poiché si scontrano con la realtà dell’instabilità dello studio, della mancanza di tempo, della sopravvalutazione della tecnologia e del costante rifiuto o fallimento.
Mito #1: un'esperienza in studio da sogno
Quello che avevo immaginato
Sono rimasta affascinata dagli spazi industriali grezzi in cui lavoravano artisti affermati. Gli enormi montacarichi con le saracinesche di legno, le alte pareti bianche o le file di finestre d’epoca in vetro, creavano nella mia mente uno scenario romantico mentre mi immaginavo a fotografare, a montare o a dipingere in quegli spazi. L’immagine che avevo di soffitti altissimi, pavimenti in cemento e un caos creativo con materiali sparsi ovunque sul pavimento si è lentamente ma inesorabilmente frantumata man mano che la realtà del trasferirmi nel mio spazio personale prendeva piede.
Il mio primo studio dopo la laurea è stato un inizio promettente! Ho risparmiato tutto quello che avevo vivendo con i miei genitori e spendendo i miei guadagni per un piccolo spazio dedicato di 60 piedi quadrati, con segni di nastro adesivo sul pavimento e due mezze pareti in compensato, in uno spazio condiviso con oltre 20 altri artisti che lavoravano con tecniche miste. C’erano pittori, creatori di gioielli, scultori, ceramisti e fotografi, tutti riuniti nello stesso spazio pieno di energia e creatività al piano terra dell’87 Wade, uno storico edificio industriale adibito a residenza e laboratorio nella zona ovest della città.
Cosa è successo davvero (traslochi, affitto, infrastrutture danneggiate)
Lo spirito di comunità era contagioso, e le lunghe giornate di lavoro si trasformavano facilmente in serate spensierate trascorse a bere e chiacchierare, condividendo le nostre opere d’arte. Purtroppo, quando i canoni di affitto dell’edificio sono saliti alle stelle e gli spazi su tutti e quattro i piani sono stati ristrutturati e trasformati in eleganti spazi commerciali destinati al settore tecnologico e a quello creativo di alto livello, siamo stati tutti costretti ad andarcene.
Da allora, come molti altri artisti, sono stato costretto a trasferire il mio studio quattro volte nell’arco di cinque anni. Quasi ogni anno ho dovuto trovare una nuova sede per motivi fastidiosi e banali: la riqualificazione dell’edificio che ne ha fatto aumentare il costo, la scadenza del contratto di locazione o persino un grave furto con effrazione.
Quello che avrei voluto sapere
Essere confinato in edifici industriali con scantinati umidi, bagni fatiscenti, finestre rotte, senza aria condizionata né un adeguato sistema di riscaldamento è diventato estenuante, logorante e insostenibile. Questo mi porta al punto successivo (e a un’amara constatazione): ho trascorso tutto il mio tempo cercando di mandare avanti la mia attività senza avere abbastanza tempo per dedicarmi effettivamente alla mia pratica.
Crea un portfolio facile da aggiornare, anche quando la vita diventa frenetica. Scopri i modelli di portfolio.
Mito #2: Avrai tutto il tempo che vuoi per dedicarti all'arte
Il lavoro invisibile (amministrazione, proposte, fatturazione, marketing)
Sebbene l’immagine che si ha su Instagram possa far pensare che gli artisti se ne stiano seduti nei loro atelier soppalcati a dipingere tutto il giorno, la realtà è, purtroppo, molto più noiosa. Il tempo infinito che immagini di trascorrere in studio a realizzare schizzi, fotografare modelli o sperimentare con l’argilla al tornio semplicemente non si concilia con la realtà delle attività amministrative e logistiche necessarie per portare avanti la propria attività artistica.
Direi che dedico l’80% del mio tempo a scrivere proposte per mostre, domande di sovvenzione, preparare fatture, ritoccare fotografie, realizzare video per il marketing e i social media, partecipare a riunioni o tenere corsi per arrotondare il mio reddito. Sebbene l’affermazione secondo cui gli artisti o i fotografi godono di totale autonomia, senza orari fissi né un capo diretto, sia tecnicamente vera, crederci significa negare la realtà.
In realtà, questa autonomia consiste nel destreggiarsi tra numerosi lavori freelance, tra cui l’insegnamento, le borse di studio, l’assistenza a persone care, i lavoretti occasionali, altre scadenze e l’instabilità finanziaria generale che una carriera nel mondo dell’arte comporta inevitabilmente. Purtroppo no: gli artisti non sono liberi di dedicarsi all’arte tutto il giorno.
Il mito della “libertà”: un’analisi realistica nel tempo
La triste realtà è che il piacere e la gioia che traiamo dal svolgere effettivamente il lavoro qualificato per cui siamo stati formati spesso rappresentano solo il 10% – 20% del nostro tempo.
Il mestiere dell’artista ci costringe costantemente a spostare la nostra concentrazione e attenzione in altre direzioni, per poter cogliere le opportunità, gli ingaggi e le mostre che ci consentono di presentare e realizzare le nostre opere. Questo continuo destreggiarsi può spesso avere conseguenze negative sulla salute mentale e fisica dell’artista, poiché non si tratta di un modo di lavorare sostenibile.
Il mito della libertà è una delle illusioni più seducenti legate alla professione di artista. Ma nella realtà, tale libertà è spesso condizionata da un reddito instabile, dal lavoro non retribuito, da incarichi a progetto e dalla mancanza di benefici o di sicurezza a lungo termine.
Mito #3: Le nuove tecnologie all’avanguardia ti renderanno un artista migliore
Gli strumenti possono essere d’aiuto, ma non sostituiscono la visione
Ci siamo trovati tutti in quella situazione in cui pensiamo che un nuovo tablet costoso, uno stilo o un nuovo obiettivo macro ci consentiranno di realizzare i nostri sogni con maggiore facilità. Oppure pensiamo che quella particolare marca di colori a olio possa determinare il successo o il fallimento della nostra carriera.
Ora, ovviamente, sono caduto in questa trappola più e più volte, quindi questa potrebbe essere una di quelle situazioni in cui “fai come dico, non come faccio”. In realtà, gli strumenti non ci rendono visionari migliori. Sono il talento e il duro lavoro necessari per portare avanti la nostra attività a spingere davvero in avanti le nostre capacità di artisti e creativi.
Il pericolo di sopravvalutare la tecnologia (e sottovalutare le competenze)
Le attrezzature o i materiali più accattivanti possono aiutare a rafforzare la fiducia in se stessi, a semplificare un compito o a livellare il campo di gioco dal punto di vista tecnico, ma non sopravvalutate ciò che un software sofisticato o una stampante 3D possono fare per voi. Questa sopravvalutazione porta a sottovalutare le reali capacità artistiche e le conoscenze tecniche necessarie per essere un artista, poiché sempre più spesso il lavoro del fotografo viene semplificato o sminuito.
Questi pregiudizi si traducono in idee errate molto diffuse, come “I fotografi si limitano a premere un pulsante” o “È la macchina fotografica a fare tutto il lavoro”. Se fosse vero, allora la fotocamera e l’attrezzatura di illuminazione più sofisticate al mondo produrrebbero le opere d’arte migliori. Sappiamo che non è così, e questa idea sminuisce gli anni di esperienza, saggezza e conoscenza acquisiti attraverso la comprensione del tempismo, del montaggio, della composizione, della regia o persino di come la luce del sole si muove e si modella nel corso del tempo.
Prendi a cuore questa verità: Non esiste alcuno strumento, tecnica o software generato dall'intelligenza artificiale in grado di sostituire realmente la visione artistica.
Mito #4: Il successo significa visibilità (e meno rifiuti)
Il rifiuto non finisce mai: si ripete
E infine, la temuta compagna inseparabile di tutti i creativi: il rifiuto e il fallimento. È straziante candidarsi continuamente per opportunità, mostre, premi o sovvenzioni solo per ricevere la classica e-mail che inizia con “Ci dispiace informarLa che…”.
Questo aspetto del nostro settore creativo è presente indipendentemente dalla fase della carriera in cui ti trovi. La competizione per le poche opportunità disponibili rimane costante, che siate artisti affermati, a metà carriera o emergenti. E, pur essendo una realtà persistente, il rifiuto può essere devastante. Vi sentite completamente invisibili. La vostra fiducia vacilla, mettete in dubbio le vostre capacità e conoscenze e vi confrontate costantemente con altri artisti o progetti.
Purtroppo, questo capita a ogni singolo artista (me compreso) e non ho nessun consiglio valido per combattere quella disperazione opprimente, se non quello di buttarmi su una pinta di gelato al matcha, guardare i reality show e seguire una terapia per elaborare queste emozioni.
La maggior parte del lavoro artistico avviene nell’invisibilità
Quando si parla di attenzione, le nostre aspettative di successo ruotano attorno al riconoscimento: mostre, pubblicazioni, premi. E trascuriamo di comprendere che la maggior parte del lavoro artistico si svolge in lunghi periodi di invisibilità. Spesso ci vogliono anni per realizzare un progetto, che ottiene scarsa riconoscimento esterno; numerose candidature rimangono senza risposta.
Il riconoscimento, quando arriva, è spesso parziale e temporaneo. La norma non è la visibilità, bensì l’oscurità, punteggiata da brevi momenti di attenzione.
La perseveranza come vero fattore di differenziazione
Quando guardo agli artisti più affermati che hanno saputo mantenere una lunga carriera grazie a progetti o prospettive sempre nuovi e variegati, mi sembra che questi artisti celebri siano tenaci, saggi e costantemente disposti ad affrontare più rifiuti di quanti si possa pensare che siano in grado di sopportare. Forse si tratta di una sopravvivenza del il più persistente piuttosto che il più adatto, che è ciò che serve a un creativo per avere successo nel settore.
Cosa spero che tu possa trarre da tutto questo — e come andare avanti
Tutti amano l’idea dell’artista. L’immagine è facile da immaginare: una figura che si muove liberamente nel mondo, guidata dall’intuizione, che traduce la luce in significato, che vive una vita plasmata dalla visione piuttosto che dall’obbligo. L’artista, in particolare il fotografo, viene immaginato come qualcuno che osserva, che inquadra, che cattura — e crea un significato profondo che vale la pena condividere o presentare al mondo.
Ma il romanticismo che circonda l’esperienza dell’artista affonda le sue radici nelle problematiche legate alla sua aura scintillante. L’errata convinzione più radicata è il modo in cui il grande pubblico (o gli stessi altri artisti) idealizza l’ immagine dell'artista, trascurando al contempo le condizioni incredibili necessarie per sostenerne uno.
Forse ciò di cui tutti abbiamo bisogno è ricordare la differenza tra l’idea romantica di “essere un artista” e la realtà di “avere una pratica artistica”. La prima è vaga: chi decide quando si è artisti? Molti artisti contemporanei citano spesso la frase: “Se fai arte, allora sei un artista”.”
Quest’ultimo punto va dritto al cuore della questione: essere un artista attivo inizia a far intuire l’impegno e la tenacia necessari per fare dell’arte una professione. I miti sull’essere artisti probabilmente continueranno a persistere; ma con una buona dose di realismo, anche tu puoi farcela.
Rendi più facile per curatori, clienti e collaboratori trovarti: crea un sito portfolio pulito e professionale. Crea il tuo portafoglio Format: non serve la carta di credito.
