Na primeira parte, Um guia prático para entrar no mundo da arte pública, a gente revisou as etapas desde a apresentação da proposta até a concretização do projeto. Nesta segunda parte, vamos explorar a parte divertida: os desafios artísticos e conceituais específicos da criação de arte pública.
Questões artísticas e críticas a serem consideradas
Como artista, pergunte a si mesmo qual é o objetivo ou a motivação para criar obras para o público? e como meu trabalho muda quando entra em um novo contexto??
Também é importante fazer perguntas mais amplas, como: por que os espaços públicos precisam de arte? e De que forma minha obra de arte vai beneficiar a comunidade ao ser exposta em um espaço público? Ao nos fazermos essas perguntas fundamentais, devemos também levar em conta o importante processo de tradução que ocorre quando transformamos nossa produção “normal” de estúdio em obras de arte destinadas a ocupar o espaço público, conectando-se e interagindo com os membros da comunidade. Vamos abordar os fatores tangíveis que precisamos levar em conta, incluindo: escala e proporção, especificidade do local, materiais duráveis, além dos aspectos emocionais; e, por fim, abrir mão do nosso trabalho à medida que ele se transforma em algo novo.
Scale
Esse é provavelmente o maior desafio a ser superado na hora de criar obras de arte para espaços públicos. Ao preparar objetos para um espaço específico e para um público em geral, a escala apresenta desafios estéticos e conceituais em várias disciplinas, incluindo escultura, fotografia, pintura e até mesmo arte digital.
Ampliação pode parecer enganosamente simples. No entanto, não é tão fácil quanto simplesmente ajustar sua maquete, colagem ou escultura de mesa para caber nas dimensões maiores. Para qualquer obra, há questões físicas de espaço que precisam ser levadas em conta; há linhas de visão, tetos, alturas de parede ou escadas que atrapalhem a visualização de todos os aspectos da obra? Se a obra estiver em um corredor público ou escadaria muito estreita, quem estiver vendo não vai conseguir recuar o suficiente para ver a obra como um todo; por isso, você precisa incorporar pequenas partes dentro da composição maior para que tudo faça sentido visualmente. Como só dá pra ver de 3 a 4 pés de cada vez num corredor público apertado, o artista precisa pensar em quão perto a pessoa vai estar da obra.
The Birds, Myfanwy MacLeod, 2010, aço inoxidável, espuma EPS com revestimento rígido, bronze, Milton Wong Plaza na Vila Olímpica, Vancouver, BC
No caso de obras de arte esculturais, o problema geralmente está nas proporções; ou seja, em como a obra se encaixa no contexto e se harmoniza com o ambiente ao redor. A obra pode parecer grande demais para o espaço, fazendo com que você se sinta oprimido ou minúsculo; ou, por outro lado, pequena demais, a ponto de se perder no ambiente ou não causar nenhum impacto.
Quando vista sob as perspectivas maximalista e minimalista, a escala pode, na verdade, funcionar a seu favor. Por exemplo, em A escultura “The Birds”, de Myfanwy Macleod”, o artista transforma o minúsculo e onipresente pardal em uma figura de escala monumental. Empoleirada em um banco da cidade, a integração da obra com a infraestrutura é perfeitamente harmoniosa, e os próprios pássaros parecem ao mesmo tempo íntimos e enormes. Por outro lado, em De Micah Lexier Dois círculos, o artista brinca com a tensão das proporções, passando lentamente do avassalador ao íntimo; com dois círculos abertos e fechados, aparentemente simples, dominando as paredes brancas de um amplo saguão. Olhando mais de perto, você percebe que a parede é feita de azulejos de cerâmica minuciosamente feitos à mão e quebrados, que criam um ritmo impressionante. Para Lexier, são os pequenos detalhes, as partes do todo, que parecem sublimes, enquanto as vistas mais amplas transmitem algo “mais simples”. A poesia e a elegância vêm da confluência de extremos: intimidade e grandiosidade, o que é tátil e o que é visual, harmonia e a sensação de fragmentação. Algumas obras de arte públicas podem interpretar de forma totalmente equivocada o gesto minimalista e a possibilidade transformadora da escala. Às vezes, o som certo, quando ficam mais alto, se torna insuportável.
Micah Lexier, Two Circles, 2016, duas paredes – 30 x 26 pés e 47 x 24 pés, tiras de azulejo de cerâmica esmaltadas e cortadas à mão, Bay Adelaide Centre East Tower, Toronto, Ontário, direitos autorais das imagens CBC
Especificidade do local
Acho que um princípio fundamental da criação de arte pública é a necessidade de se relacionar com o contexto específico do local: os prédios ao redor, os estilos arquitetônicos, a atmosfera geral do bairro, a história do lugar e das pessoas que vivem ali.
Embora nem sempre seja um critério principal para a arte pública em editais (RFPs) ou orientações de projeto, a especificidade do local é fundamental para dinamizar o espaço público de forma positiva e significativa.
Tem havido uma tendência recente de formas geométricas vazias e sem graça que se fazem passar por esculturas modernistas que estimulam a reflexão; imagina imitações de Mark Desuvero, Alexander Calder ou Henry Moore colocadas em uma praça vazia ou na frente de um novo condomínio. Isso formalismo zumbi parece não ter quase nada a ver com a arquitetura ou o espaço ao redor. A escultora britânica Rachel Whiteread descreve isso como ‘plop art’, um fenômeno em que o objeto “na verdade não tem nada a ver com mais nada. […] A arte ficou superpopular, o que é ótimo por vários motivos, mas acho que muitas esculturas públicas são mal planejadas e colocadas em lugares onde não deveriam necessariamente estar. Aí, elas acabam ficando meio que invisíveis. As pessoas nem percebem a presença delas. Acho que a arte está lá por um motivo e deve ser respeitada e apreciada […].”
Para evitar esse risco, preste atenção aos tipos de espaços onde sua obra vai ficar exposta e como as pessoas vão interagir com ela. Locais comuns para a instalação de arte pública que você deve levar em conta:
- corredores de trânsito
- fora de instituições acadêmicas ou bibliotecas
- no meio de uma praça pública, ao lado de árvores, bancos e uma fonte
- através de passarelas ou ilhas de trânsito
Cada local apresenta desafios diferentes em termos de planejamento, materiais e logística, além de outros fatores. Ao criar arte para o público, é preciso ter sempre em mente o público daquele lugar ou daquela comunidade.
Subterrâneo
Uma aula-mestre surpreendente e encantadora sobre a especificidade do local e a transformação do cotidiano, O Masstransiscope, de Bill Brand transforma os vagões das linhas B ou Q do metrô com destino a Manhattan, que partem da estação DeKalb Avenue, em uma máquina de cinema. Uma experiência monótona se torna mágica quando um zoótropo colorido e animado envolve os passageiros enquanto o trem atravessa o túnel. Aqui, o público é aquele que normalmente está ocupado com seus aparelhos, livros e cochilos, mas que de repente fica animado com esse filme passando ao seu redor. Com um público cativo, mas entediado, há uma grande chance de você oferecer algo inesperado e encantá-los
Ao ar livre
O cabelo preto e comprido dela por Janet Cardiff guia os participantes por uma experiência audiovisual imersiva com o artista. Em um passeio de 46 minutos pelo Central Park, em Nova York, Cardiff, presente em som e imagem, estimula a reflexão sobre a relação entre natureza, arquitetura, tempo, som e corporalidade. Entrelaçando observações em fluxo de consciência e misturando eventos ficcionais com a verdadeira história local, o narrador te convida a olhar as fotos de arquivo e ver a história do parque em contraste com a sua experiência atual no local, usando a perspectiva do passado para te ajudar a curtir o parque de novas maneiras.
Quem curte caminhadas e a natureza — um público que, por si só, já é tranquilo e contemplativo — se encaixa perfeitamente nessa obra de arte, que exige tempo e a disposição de observar o que está ao redor.
Na cidade
Subverter espaços publicitários pode ser um gesto artístico poderoso quando você pensa nas formas como as imagens coexistem em meio ao ruído visual de uma cidade. Isso deixa claro o quanto nossa experiência diária com o que nos rodeia está repleta de marketing feito pra nos vender um produto ou uma ideia. Ao planejar uma exposição de arte pública usando espaços destinados à publicidade, como outdoors, painéis e telas de LED, pensa em como substituir o marketing por uma obra de arte muda tanto o significado do espaço quanto da obra, adicionando uma camada de complexidade a cada um deles. O espaço muda a forma como quem vê interage com a imagem, especialmente no contexto dos prédios, estruturas e paisagem urbana ao redor. Quando cenas muito íntimas da vida familiar ou cotidiana são destacadas e exibidas em público, geralmente surge uma dissonância cognitiva entre o público e o privado; você pode sentir como se estivesse espiando algo que não deveria ser visto, talvez algo íntimo demais para ser exibido na rua.
Você pode usar essa especificidade do local a seu favor ao colocar uma praça, um condomínio de luxo com fachada de vidro ou um armazém comercial de tijolos em diálogo direto ou em conflito com sua obra de arte.
Numa cidade onde as pessoas andam apressadas e olham só de passagem, esse é um espaço onde você pode fazer com que os transeuntes diminuam o ritmo com um gancho atraente, ou simplesmente entender que o público-alvo vai se restringir àqueles que ainda olham, leem e prestam atenção ao que está ao redor.
Jessica Thalmann, “cut between the supports and collapse (Hands)”, 2022. Foto: Toni Hafkenscheid. Cortesia da artista e do Scotiabank CONTACT Photography Festival.
Materiais
Provavelmente, você vai ter que transformar suas ideias em materiais esculturais mais duráveis. Os materiais tradicionais usados em esculturas públicas ou monumentos incluem bronze fundido, pedra, azulejo, vidro, concreto e vários tipos de aço inoxidável ou corten, que são resistentes às intempéries e fáceis de manter. Se você estiver criando uma obra bidimensional, como um mural, uma pintura, uma fotografia ou qualquer material impresso, é importante escolher as tintas, selantes e revestimentos UV certos, que vão maximizar a vida útil da superfície, dos pigmentos e das cores. Não deixe de testar novas marcas que possam estar inovando em termos de durabilidade e guarde suas maquetes, moldes e cópias das fichas de saúde e segurança de cada produto que você estiver usando na sua obra de arte. Nesse sentido, para resolver quaisquer problemas e corrigir erros de produção ao longo do caminho, faça muitos testes com esses novos materiais, primeiro em escalas menores e, por fim, na escala final, garantindo que não haja surpresas nessa fase.
Parte desse processo é colaborar com outros fabricantes, soldadores, engenheiros, estúdios e fornecedores especializados nesses materiais ou técnicas duráveis. Isso pode incluir corte a jato de água, soldagem, trabalhos em metal em grande escala, design de iluminação, impressão 3D, corte a laser, impressão direta no substrato, design gráfico e serviços de montagem. Recomendo muito que você pesquise vários métodos para alcançar o resultado desejado e, a partir daí, estúdios e fabricantes. Escolha um parceiro com quem você possa ter uma relação de trabalho positiva. Você vai trabalhar com esses fabricantes, artesãos e técnicos por um bom tempo e, em algumas situações bem estressantes, uma boa comunicação e confiança vão ajudar muito a manter vocês dois na mesma sintonia. Outro ponto a levar em conta é a sustentabilidade e como seus esforços para criar algo novo podem incorporar mídias, superfícies ou objetos usados. Materiais reciclados, incluindo borracha, têm sido integrados com sucesso em obras de arte e parques; um exemplo disso pode ser visto em “Guardiões da Água”, de Daniel Borins e Jennifer Marman escultura em Toronto. Os canais de borracha reciclada se misturam com montículos verdes e criam uma superfície macia onde as crianças podem brincar e interagir com os elementos aquáticos.
Deixar para trás
Essa é provavelmente a lição mais difícil de aprender: uma vez que a obra de arte passa a fazer parte do domínio público, ela não pertence mais ao artista.
Para o bem ou para o mal, a obra de arte ganha vida própria. Os membros da comunidade interagem com a obra e surgem novas conexões entre quem vê e a obra, entre a obra e o local, ganhando um significado profundo à medida que os visitantes trazem suas próprias experiências para a arte e para o local. Outros vão achar que a obra de arte acaba inevitavelmente sendo alvo de críticas e, em alguns casos, de vandalismo.
Existem algumas lições, conquistadas com muito esforço por artistas consagrados, sobre como a opinião pública pode moldar e transformar o significado e a durabilidade da arte pública, e todos esses são fatores a serem considerados na concepção e na realização do seu projeto. Seu público, se bem pensado e conectado à obra, pode se tornar o guardião da arte.
Pelos exemplos acima, fica claro que a arte pública pode trazer desafios artísticos e conceituais para artistas em qualquer fase da carreira. Te encorajo a encarar os problemas logísticos e estéticos que vêm junto com a criação dessas obras, porque, por mais que haja desafios, também há oportunidades.
Você vai se divertir (e ficar estressado), Prometo.
