Im ersten Beitrag, Ein praktischer Leitfaden für den Einstieg in die öffentliche Kunst, haben wir die Schritte von der Einreichung des Vorschlags bis zur Umsetzung des Projekts durchgesehen. In diesem zweiten Teil wollen wir uns nun mit den spannenden Aspekten beschäftigen: den künstlerischen und konzeptionellen Herausforderungen, die speziell mit der Schaffung öffentlicher Kunst verbunden sind.
Künstlerische und kritische Aspekte, die es zu berücksichtigen gilt
Frag dich als Künstler mal Was ist der Sinn oder die Motivation dahinter, Werke für die Öffentlichkeit zu schaffen? und Wie verändert sich meine Arbeit, wenn sie in einen neuen Kontext gerät??
Es ist auch wichtig, allgemeinere Fragen zu stellen, wie zum Beispiel: Warum brauchen öffentliche Räume Kunst? und Inwiefern wird mein Kunstobjekt durch seine Aufstellung im öffentlichen Raum der Gemeinschaft zugutekommen? Während wir uns diese grundlegenden Fragen stellen, sollten wir auch den wichtigen Übersetzungsprozess berücksichtigen, der stattfindet, wenn wir unsere “normalen” Atelierarbeiten in Kunstwerke verwandeln, die im öffentlichen Raum bestehen sollen und eine Verbindung zu den Mitgliedern der Gemeinschaft herstellen sowie mit ihnen interagieren. Wir werden die konkreten Faktoren behandeln, die wir berücksichtigen müssen, darunter: Maßstab und Proportionen, ortsspezifische Gegebenheiten, langlebige Materialien sowie die emotionale Ebene; schließlich geht es darum, unsere Arbeit loszulassen, wenn sie zu etwas Neuem wird.
Scale
Das ist wahrscheinlich die größte Hürde, die es zu überwinden gilt, wenn man Kunstwerke für den öffentlichen Raum schafft. Die Vorbereitung von Objekten für einen bestimmten Raum und ein öffentliches Publikum stellt in vielen Disziplinen – darunter Bildhauerei, Fotografie, Malerei und sogar digitale Kunst – ästhetische und konzeptionelle Herausforderungen dar.
Ausweitung Das mag auf den ersten Blick einfach erscheinen. Es ist jedoch nicht so einfach, wie deine Maquette, Collage oder Tischskulptur einfach nur auf die größeren Maße anzupassen. Bei jedem Werk gibt es räumliche Aspekte, die berücksichtigt werden müssen: Gibt es Sichtlinien, Decken, Wandhöhen oder Treppen, die die Betrachtung aller Aspekte des Kunstwerks beeinträchtigen? Befindet sich das Kunstwerk in einem öffentlichen Flur oder Treppenhaus, das sehr eng ist, kann dein Betrachter nicht weit genug zurücktreten, um das Kunstwerk als Ganzes zu sehen. Daher musst du kleinere Ausschnitte in die längere Komposition einbauen, damit sie zusammenhängend wirkt und visuell Sinn ergibt. Da in einem engen öffentlichen Flur jeweils nur 3 – 4 Fuß sichtbar sind, muss der Künstler berücksichtigen, wie nah der Betrachter am Werk stehen wird.
„The Birds“, Myfanwy MacLeod, 2010, Edelstahl, beschichteter EPS-Schaum, Bronze, Milton Wong Plaza im Olympic Village, Vancouver, BC
Bei skulpturalen Kunstwerken liegt das Problem meist in den Proportionen; es geht um die Berücksichtigung des Kontexts und der Harmonie des Kunstwerks im Verhältnis zu seiner Umgebung. Ein Werk kann entweder zu groß für den Raum wirken, sodass sich die Betrachter überfordert oder winzig fühlen, oder aber zu klein für den Raum, sodass es untergeht oder keine Wirkung entfaltet.
Betrachtet man das Ganze aus der Perspektive des Maximalismus und des Minimalismus, kann der Maßstab sogar zu deinem Vorteil wirken. Zum Beispiel in Myfanwy Macleods Skulptur “The Birds”, … vergrößert der Künstler den winzigen und allgegenwärtigen Spatz auf monumentale Ausmaße. Auf einer Stadtbank sitzend fügt sich das Werk perfekt in die städtische Infrastruktur ein, und die Vögel wirken gleichzeitig vertraut und riesig. Oder auch in Micah Lexiers Zwei Kreise, Der Künstler spielt mit der Spannung der Proportionen, die sich langsam von überwältigend zu intim verschiebt; zwei scheinbar einfache offene und geschlossene Kreise dominieren die weißen Wände einer weitläufigen Lobby. Bei genauerem Hinsehen erkennt der Betrachter, dass die Wand aus aufwendig handgefertigten und gebrochenen Keramikfliesen besteht, die einen atemberaubenden Rhythmus erzeugen. Für Lexier ist es das kleine Detail, der Teil des Ganzen, der sich erhaben anfühlt, während die größeren, weitläufigen Ansichten etwas “Einfachereres” vermitteln. Die Poesie und Eleganz entsteht aus dem Zusammentreffen von Extremen: Intimität und Erhabenheit, das Taktile und das Visuelle, Harmonie und das Gefühl der Zersplitterung. Manche öffentlichen Kunstwerke können die minimalistische Geste und die transformativen Möglichkeiten des Maßstabs grundlegend missverstehen. Manchmal wird der richtige Klang, wenn er lauter wird, unerträglich.
Micah Lexier, „Two Circles“, 2016, zwei Wände – 30 x 26 Fuß und 47 x 24 Fuß, handglasierte und handgeschnittene Keramikfliesenstreifen, Bay Adelaide Centre East Tower, Toronto, ON, Bildrechte vorbehalten CBC
Standortspezifität
Ich glaube, ein zentraler Grundsatz bei der Schaffung öffentlicher Kunst ist die Notwendigkeit, sich mit dem spezifischen Kontext des Standorts auseinanderzusetzen: den umliegenden Gebäuden, den architektonischen Stilen, dem Gesamtbild des Stadtviertels, der Geschichte des Ortes und seiner Menschen.
Auch wenn die Ortsspezifität in Ausschreibungen (RFPs) oder Gestaltungsvorgaben nicht immer ein Hauptkriterium für öffentliche Kunst ist, spielt sie doch eine entscheidende Rolle dabei, den öffentlichen Raum auf positive und sinnvolle Weise zu beleben.
In letzter Zeit gibt es diesen Trend, dass leere und langweilige geometrische Formen sich als zum Nachdenken anregende modernistische Skulpturen ausgeben; man denke an Nachahmungen von Mark Desuvero, Alexander Calder oder Henry Moore, die einfach auf einen leeren Platz oder vor eine neue Wohnanlage gestellt werden. Das Zombie-Formalismus scheint kaum etwas mit der umgebenden Architektur oder dem Raum zu tun zu haben. Die britische Bildhauerin Rachel Whiteread bezeichnet das als ‘Plop-Art’, ein Phänomen, bei dem das Objekt “hat eigentlich mit nichts anderem was zu tun. […] Kunst ist extrem beliebt geworden, was aus vielen Gründen toll ist, aber ich finde, dass viele Skulpturen im öffentlichen Raum schlecht durchdacht sind und an Orten stehen, an denen sie nicht unbedingt hingehören. Dann wird sie zu etwas, das irgendwie unsichtbar ist. Die Leute nehmen sie gar nicht wahr. Ich finde, Kunst ist aus einem bestimmten Grund da und sollte respektiert und betrachtet werden […].”
Um dieses Risiko zu vermeiden, solltest du dir Gedanken darüber machen, in welchen Räumlichkeiten dein Werk platziert wird und wie die Menschen damit interagieren werden. Hier sind einige gängige Standorte für Kunst im öffentlichen Raum, die du in Betracht ziehen solltest:
- Verkehrskorridore
- außerhalb von akademischen Einrichtungen oder Bibliotheken
- in der Mitte eines öffentlichen Platzes, umgeben von Bäumen, Bänken und einem Springbrunnen
- über Fußgängerbrücken oder Verkehrsinseln
Jeder Standort stellt unterschiedliche Herausforderungen hinsichtlich Planung, Materialien und Logistik sowie weiterer Faktoren dar. Bei der Schaffung von Kunst für die Öffentlichkeit sollte das Publikum eines Ortes oder einer Gemeinschaft im Vordergrund stehen.
Untergrund
Eine überraschende und bezaubernde Meisterleistung in Sachen ortsspezifischer Kunst und der Verwandlung des Alltäglichen, Bill Brands „Masstransiscope“ verwandelt die U-Bahn-Wagen der Linien B oder Q in Richtung Manhattan, die von der Station DeKalb Avenue abfahren, in eine Filmmaschine. Ein eintöniges Erlebnis wird zu etwas Magischem, wenn ein farbenfrohes, animiertes Zoetrop die Pendler in seinen Bann zieht, während der Zug durch den Tunnel fährt. Hier handelt es sich um ein Publikum, das normalerweise mit seinen Geräten, Büchern oder einem Nickerchen beschäftigt ist und plötzlich durch diesen Film, der um sie herum läuft, in Bewegung versetzt wird. Bei einem gefangenen, aber gelangweilten Publikum besteht eine große Chance, dass du ihnen etwas Unerwartetes bieten und sie begeistern kannst
Im Freien
Ihr langes schwarzes Haar von Janet Cardiff führt die Teilnehmer durch ein immersives audiovisuelles Erlebnis mit dem Künstler. Auf einem 46-minütigen Spaziergang durch den New Yorker Central Park regt Cardiff, der in Bild und Ton präsent ist, zum Nachdenken über die Beziehung zwischen Natur, Architektur, Zeit, Klang und Körperlichkeit an. Indem er Beobachtungen im Stil des Bewusstseinsstroms miteinander verwebt und fiktive Ereignisse mit der wahren lokalen Geschichte verschmelzen lässt, regt der Erzähler dich dazu an, die Archivfotos zu betrachten und die Geschichte des Parks im Kontrast zu deiner heutigen Erfahrung damit zu sehen – dabei nutzt er den Rahmen der Vergangenheit, um dir neue Wege zu eröffnen, den Park zu genießen.
Wer gerne spazieren geht und die Natur genießt – also ohnehin schon ein ruhiges, nachdenkliches Publikum – ist für dieses Kunstwerk genau richtig, denn es erfordert Zeit und die Bereitschaft, sich umzuschauen.
In der Stadt
Die Umdeutung von Werbeflächen kann eine kraftvolle künstlerische Geste sein, wenn man bedenkt, wie Bilder im visuellen Trubel einer Stadt existieren. Sie macht deutlich, wie sehr unser Alltag von Marketing durchdrungen ist, das darauf abzielt, uns ein Produkt oder eine Idee zu verkaufen. Wenn du eine öffentliche Kunstausstellung planst, bei der Werbeflächen wie Plakatwände, Tafeln und LED-Bildschirme genutzt werden, überlege dir, wie das Ersetzen von Werbung durch ein Kunstwerk sowohl die Bedeutung des Raums als auch die des Kunstwerks verändert und beiden eine zusätzliche Ebene der Komplexität verleiht. Der Raum verändert die Art und Weise, wie Betrachter mit dem Bild interagieren, insbesondere im Kontext der umliegenden Gebäude, Strukturen und des Straßenbildes. Wenn sehr private Szenen aus dem Familien- oder Alltagsleben hervorgehoben und öffentlich gezeigt werden, entsteht oft eine kognitive Dissonanz zwischen Öffentlichkeit und Privatsphäre. Man hat vielleicht das Gefühl, in etwas hineinzuschauen, das man eigentlich nicht sehen dürfte – vielleicht etwas, das zu intim ist, um auf der Straße gezeigt zu werden.
Du kannst diese ortsspezifische Eigenschaft zu deinem Vorteil nutzen, wenn du einen Stadtplatz, eine luxuriöse Glaswohnanlage oder ein gemauertes Lagerhaus in direkten Dialog oder Konflikt mit deinem Kunstwerk bringst.
In einer Stadt, in der die Leute schnell unterwegs sind und nur flüchtig hinschauen, ist das ein Ort, an dem du Passanten mit einem fesselnden Aufhänger zum Verweilen bringen kannst – oder dir einfach bewusst machst, dass sich die Zielgruppe auf diejenigen beschränkt, die noch hinschauen, lesen und ihre Umgebung wahrnehmen.
Jessica Thalmann, „cut between the supports and collapse (Hands)“, 2022. Foto: Toni Hafkenscheid. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin und des Scotiabank CONTACT Photography Festival.
Materialien
Wahrscheinlich wirst du deine Ideen in haltbarere, skulpturale Materialien umsetzen müssen. Zu den traditionellen Materialien für öffentliche Skulpturen oder Denkmäler gehören Bronzeguss, Stein, Keramikfliesen, Glas, Beton sowie verschiedene Arten von Edelstahl oder Cortenstahl, die witterungsbeständig und pflegeleicht sind. Wenn du ein zweidimensionales Werk wie ein Wandbild, ein Gemälde, ein Foto oder ein gedrucktes Material gestaltest, ist es wichtig, die richtigen Farben, Versiegelungen und UV-Beschichtungen auszuwählen, die die Lebensdauer deiner Oberfläche, Pigmente und Farben maximieren. Teste unbedingt neue Marken, die möglicherweise innovative Lösungen für eine längere Lebensdauer anbieten, und bewahre deine Maquetten, Gussformen sowie Kopien der Gesundheits- und Sicherheitsdatenblätter für jedes Produkt auf, das du in deinem Kunstobjekt verwendest. Um eventuelle Probleme zu beheben und Produktionsfehler im Laufe des Prozesses zu vermeiden, solltest du zahlreiche Tests mit diesen neuen Materialien durchführen – zunächst im kleinen Maßstab und schließlich im endgültigen Maßstab –, damit es in dieser Phase keine Überraschungen gibt.
Ein Teil dieses Prozesses besteht darin, mit anderen Fertigungsbetrieben, Schweißern, Ingenieuren, Ateliers und Lieferanten zusammenzuarbeiten, die sich auf diese langlebigen Materialien oder Techniken spezialisiert haben. Dazu können Wasserstrahlschneiden, Schweißen, großformatige Metallbearbeitung, Lichtdesign, 3D-Druck, Laserschneiden, Direktdruck auf Substrate, Grafikdesign und Montagedienste gehören. Ich empfehle dir dringend, verschiedene Methoden zu recherchieren, mit denen du dein gewünschtes Ergebnis erzielen kannst, und auf dieser Grundlage dann Ateliers und Fertigungsbetriebe auszuwählen. Such dir einen Kooperationspartner, mit dem du eine positive Arbeitsbeziehung aufbauen kannst. Du wirst lange Zeit mit diesen Herstellern, Handwerkern und Technikern zusammenarbeiten – und in manchen sehr stressigen Situationen tragen gute Kommunikation und Vertrauen wesentlich dazu bei, dass ihr beide auf einer Wellenlänge bleibt. Ein weiterer zu berücksichtigender Aspekt ist die Nachhaltigkeit und die Frage, wie du bei deinen Bemühungen, etwas Neues zu schaffen, gebrauchte Materialien, Oberflächen oder Objekte einbeziehen kannst. Recycelte Materialien, darunter auch Gummi, wurden in letzter Zeit erfolgreich in Kunstwerke und Parks integriert; ein Beispiel dafür ist zu sehen in „Water Guardians“ von Daniel Borins & Jennifer Marman Skulptur in Toronto. Die aus recyceltem Gummi gefertigten Wasserbahnen sind in grüne Hügel integriert und bieten eine federnde Oberfläche, auf der Kinder spielen und mit den Wasserelementen interagieren können.
Loslassen
Das ist wahrscheinlich die schwierigste Lektion, die man lernen muss: Sobald ein Kunstwerk Teil der Öffentlichkeit ist, gehört es dem Künstler nicht mehr.
Ob gut oder schlecht – das Kunstwerk entwickelt ein Eigenleben. Die Mitglieder der Gemeinschaft interagieren mit dem Werk, und es entstehen neue Verbindungen zwischen Betrachter und Werk, Werk und Ort, die eine tiefgreifende Bedeutung annehmen, wenn Besucher ihre eigenen Erfahrungen in die Kunst und den Ort einbringen. Andere werden feststellen, dass das Kunstwerk unweigerlich auf Kritik stößt und in manchen Fällen sogar Opfer von Vandalismus wird.
Es gibt einige hart erkämpfte Erkenntnisse etablierter Künstler darüber, wie die öffentliche Meinung die Bedeutung und den Bestand öffentlicher Kunst prägen und verändern kann – und all das sind Faktoren, die du bei der Konzeption und Umsetzung deines Projekts berücksichtigen solltest. Dein Publikum kann, wenn es gut durchdacht und mit dem Werk verbunden ist, zu Hütern der Kunst werden.
Aus den obigen Beispielen wird deutlich, dass Kunst im öffentlichen Raum für Künstler in jeder Phase ihrer Karriere künstlerische und konzeptionelle Herausforderungen mit sich bringen kann. Ich möchte euch ermutigen, euch mit den logistischen und ästhetischen Problemen auseinanderzusetzen, die mit ihrer Entstehung einhergehen, denn so viele Herausforderungen es auch gibt, so viele Chancen gibt es auch.
Du wirst Spaß haben (und gestresst sein), Das verspreche ich.
