In meiner Zeit als Studentin und Assistentin und später als Freiberuflerin habe ich gelernt, dass ehrliche Kritik an der Arbeit ein wichtiger Teil des Prozesses ist. Meine ehrliche Kritik an Stockfotos von Kreativen? Die meisten sind falsch. Das soll nicht heißen, dass es keine authentischen Fotos von Künstlern in ihren Ateliers und künstlerisch aufgenommene Bilder von Fotografen, Künstlern und Designern gibt, die Websites und soziale Medien zieren. Es gibt sie... aber sie machen nur einen sehr einen kleinen Prozentsatz der Bilder auf den Plattformen, auf denen du Stockfotos verkaufen und kaufen kannst.
Als Fotografinnen und Fotografen, Künstlerinnen und Künstler, Designerinnen und Designer und Kreative kennt ihr die Realität eurer Arbeit. Ihr habt auch die Möglichkeit Mach aus deinem Fachwissen einen Nebenverdienst indem du bessere, gefragte Bilder machst.und eine große Marktlücke füllen. Hier sind sechs der häufigsten Klischees, unangenehme Dinge und Ideen für realistische, authentisch Stockfotos von kreativen Fachkräften.
1. Digitale Kreative bei der Postproduktion: Winzige künstliche Pflanzen
Das Klischee: Ein Filmemacher, Fotograf, Musiker sitzt an einem kargen Schreibtisch mit einem Mac-Laptop, einer minimalistischen Tastatur und immer einem Schreibtisch, der mit ein oder zwei winzigen, falschen Sukkulenten oder kleinen Sträuchern in kleinen Töpfen dekoriert ist. Das ist wie ein IKEA-Katalog. In der Regel liegt auf diesen Bildern auch das gesamte Handwerkszeug auf dem Schreibtisch - drei Kameragehäuse und alle Objektive, das ist mein Favorit für Fotografen.
Eine Plage von winzigen falschen Pflanzen, die mich sofort ausschalten.
Die visuelle Wirkung:
Diese Art von Bildmaterial wirkt unauthentisch und generisch. Sie vermitteln, dass das Unternehmen oder die Person, die das Bild verwendet oder in Auftrag gegeben hat, diese Zielgruppe nicht wirklich kennt, was für die angestrebte Zielgruppe befremdlich sein kann.
Warum es nicht funktioniert: Die unechten Pflanzen machen keinen Sinn und sind doch überall! (Zum Glück gibt es die Photoshop Werkzeug entfernen um diese Bilder überhaupt annehmbar zu machen). Nach dem Shooting räumen die meisten Fotografen ihre Ausrüstung weg, entweder um sich auf das nächste Shooting vorzubereiten oder um Zwischenfälle zu vermeiden - meine Katze würde ein Objektiv auf den Boden werfen, nur um etwas zu zeigen.
Was bleibt draußen: Karten und Kartenlesegeräte, tragbare Festplatten. Vielleicht kannst du eine Kamera als visuellen Hinweis im Bild behalten, aber wenn du jedes einzelne Teil der Ausrüstung herausnimmst, sieht die Nachbearbeitung aus wie eine Inventur.
Alternativen und zu füllende Lücken: Konzentriere dich auf die Handlung und die Werkzeuge deines Handwerks. Zeige einen Profi, der mit relevanten Software- und Hardwareschnittstellen arbeitet, z. B. Adobe Suite, Capture One, mit Wacom-Tabletts, farbkalibrierten Monitoren, mit ergonomischer Ausrüstung oder zumindest mit einer sinnvollen Einrichtung.
Bei Filmemachern und Musikern solltest du Schnittplätze, große Monitore mit Schnittsoftware wie Adobe Premiere Pro oder DaVinci Resolve für Video und Digital Audio Workstations (DAWs) für Musik sowie Hardware wie Mikrofone und Kopfhörer zeigen. Zeig ehrliche Unordnung - in einer Welt voller Fake-Stocks möchte ich bei redaktionellen Bildern Toastkrümel und Kaffeetassen sehen. Echte WFH-/Studioaufnahmen; und für kommerzielles Bildmaterial schlichte Bilder von Setups ohne das unverwandte Gestrüpp.
2. Fotografen bei der Arbeit: Nass und trocken mischen
Das Klischee: Der Schreibtisch eines Digitalfotografen, auf dem neue DSLRs/spiegellose Kameras neben veralteten Filmentwicklungsbehältern, Filmrollen und anderen nass-analogen Ausrüstungsgegenständen stehen.
Die visuelle Wirkung:
Bei dieser Art von Bildern werden Requisiten über den Realismus gestellt. Das bedeutet, dass der Fotograf die Arbeit im Nasslabor (Filmentwicklung) mit der digitalen Nachbearbeitung auf demselben Schreibtisch vermischt. Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber die nassen Sachen bleiben in der Nähe des Waschbeckens und die Chemie kommt nicht in die Nähe von berührungsintensiven Oberflächen.
Warum es nicht funktioniert: Das ist sachlich falsch. Es entfremdet jeden arbeitenden Fotografen, der weiß, dass Nassfilm und digitale Prozesse getrennt sind. Praktisch ausgedrückt: Willst du Kontaktdermatitis? Denn so bekommst du Kontaktdermatitis.
Alternativen und zu füllende Lücken:
Dokumentiere den digitalen Prozess und den Nischen-Workflow. Fokus auf die aktuell Werkzeuge des digitalen Handwerks: Kameras (wenn sie im Einsatz sind), Spezialmonitore, externe Speicher, Farbkalibrierungskarten oder Bilder, die Beleuchtungsaufbauten und Tethering in einem echten Studio zeigen.
Wenn du Material über analoge Prozesse erstellst: die Dunkelkammer, Waschbecken, Kanister, Rollen, Filme, Trocknungsklammern, Tabletts, Vergrößerungsgeräte, Zeitschaltuhren - dann vielleicht getrocknete Filmstreifen am Produktionstisch, bereit für einen Filmscanner oder eine Scan-to-Camera-Einrichtung.
3. Schreiben für Schriftsteller: Der perfekte Schreibtisch, das unangetastete Notizbuch
Das Klischee: Der makellose Schreibtisch/Laptop-Shot, ausgestattet mit einem einzigen unberührten Notizbuch, einem Stift und einer Tasse Kaffee - normalerweise mit ebenso unberührter Latte Art.
Die visuelle Wirkung:
Egal, ob du als Autor, Inhaltsersteller oder Künstler in der Verwaltung tätig bist, ein Bild wie dieses vermittelt, dass der kreative Prozess ordentlich und einfach ist und niemals physisches oder digitales Chaos beinhaltet - du weißt schon, Arbeit. Es ist sowohl unrealistisch als auch nicht interessant genug, um erstrebenswert zu sein.
Warum es nicht funktioniert: Echte kreative Arbeit ist chaotisch - auch beim Schreiben, und nicht nur in Gedanken. Sie kann mehrere Geräte, Programme, Tabs und gekritzelte Notizen beinhalten. Außerdem gibt es leere Kaffeetassen, vielleicht eine bedürftige Katze und einen allgemeinen Mangel an ästhetischer Perfektion. Dieser sterile Look weist das Bild sofort als eine inszenierte Lüge für einen Lifestyle-Blog aus. Die Dinge haben eine Wendung genommen, als das Keyboard-Cat-Gif eine genauere Darstellung dessen ist, was es bedeutet, ein Schriftsteller zu sein...
Viel realistischer. Erzählt eine Geschichte, und die Ergonomie ist perfekt.
Alternativen und zu füllende Lücken:
Gelebte Räume, auch wenn sie noch ein wenig unrealistisch cool sind, kommen immer noch besser rüber als die unauthentische Sterilität dieser Art von Perfektion. Ich sehe lieber eine Textseite auf einem Bildschirm und ein Grammarly-Widget als ein makelloses Notizbuch mit einem einzigen geschriebenen Wort, also geh hin und fordere die Autorinnen und Autoren auf, echt zu sein oder realistisch zu täuschen.
4. Maler in ihrem Atelier: Saubere Klamotten, schmutzige Gesichter
Das Klischee: Es gibt so viele Klischees zu Stockfotos von Künstlern in ihren Ateliers, vor allem aber von Malern. Da ist der Künstler, der mit Farbmustern bedeckt ist, die aussehen weitergebürstet, Eine Frau mit einem Pinsel, die ihr Haar hochhält; ein Maler, der makellose, modische Kleidung trägt, während er einen Pinsel ohne Farbe vor einer Leinwand hält, die noch nicht einmal geleimt aussieht.
Die visuelle Wirkung:
Performative Kreativität und Eitelkeit. Dieses Klischee vermittelt, dass es den Malern mehr darum geht, gut auszusehen, als gute Kunst zu machen. Es suggeriert, dass die kreative Arbeit eine Kulisse für ein Lifestyle-Fotoshooting ist, aber vor allem schreit es für ein Publikum von Malern fake.
Warum es nicht funktioniert: Der Prozess des Malens ist von Natur aus chaotisch und unberechenbar. Die perfekten Farbmuster und die saubere Kleidung sind für jeden, der schon einmal mit Öl, Acryl oder Pigmenten gearbeitet hat, lächerlich. Wenn ein sauberer, trockener Pinsel über die Leinwand streicht... vergießt ein Maler eine Träne.
Alternativen und zu füllende Lücken:
Konzentriere dich auf den Prozess. Zeige das echte Chaos und fokussiere Nahaufnahmen der Hände bei der Arbeit, die Details der geschichteten Textur, die Erschöpfung im Gesicht nach einer langen Sitzung oder die echte Schutzausrüstung (wie Schürzen, Masken, Handschuhe). Nimm Bilder auf, die zeigen, wie Maler/innen die richtige, realistische Studiokleidung und -technik verwenden. In der Welt der Archivbilder fehlen authentische, ehrliche Aufnahmen von Malerinnen und Malern, die in die körperliche Arbeit des Malens vertieft sind.
Ein Beispiel für den dynamischen Bestand eines Malers, der malt
5. Bildhauer: Du kannst Schalen machen und nur Schalen
Das Klischee: Bildhauerinnen und Bildhauer werden immer nur bei der Arbeit mit Töpferwaren gezeigt - vor allem bei der Herstellung von einfachen Schalen oder Tassen auf einer makellosen Drehscheibe, oft mit sehr sauberen Händen.
Visuelle Auswirkungen:
Reduzierend. Dieses Klischee suggeriert, dass das gesamte Medium der Bildhauerei auf einfache Keramik beschränkt ist und Metallbearbeitung, Schnitzerei, großflächige Installationen, Guss oder 3D-Druck ignoriert werden.
Warum es nicht funktioniert: Sie beschränkt das visuelle Vokabular des “Bildhauers” auf die zugänglichste, marktgängigste Form (kleine Keramik). Sie vernachlässigt den wahren Umfang, die Materialvielfalt und die schweren Maschinen, die in der professionellen Bildhauerei zum Einsatz kommen.
Alternativen und zu füllende Lücken:
Beginne mit der materiellen Vielfalt. Zeige Künstler, die mit unkonventionellen oder industriellen Materialien wie Stahl, Holzschnitzerei, Stein, Harz oder additiver Fertigung arbeiten. Konzentriere dich auf die Werkzeuge (Schweißgeräte, Meißel, Elektrowerkzeuge) und nicht auf die Tasse, die daraus entsteht.
Bildplattformen werden von Künstlern, die mit industrielle und groß angelegte Arbeiten. Aufnahmen von Künstlern, die in großen, spezialisierten Ateliers arbeiten; Fotos, die Prozesse wie Schweißen, Gießen, digitale Fertigung oder den Umgang mit Materialien zeigen, die eindeutig nicht Ton.
6. Entwerfer: Over the Rainbow
Das Klischee: Designerinnen und Designer werden immer wieder mit einem Farbrad in der Hand oder mit einem Blick darauf abgebildet, meist zusammen mit einem Schreibtisch voller Farbmuster.
Die visuelle Wirkung:
Das ist ziemlich elementar und offensichtlich. Diese Art von Bild eines Designers bei der Arbeit suggeriert, dass der Höhepunkt der Designpraxis das Auswendiglernen der Grundlagen der Farbtheorie ist. Damit wird ein komplexer, strategischer Beruf wie ein Kunstunterricht in der Grundschule behandelt.
Warum es nicht funktioniert: Professionelle Designer/innen verwenden digitale Tools für das Farbmanagement und Farbgeschichten, keine physischen Räder. Das Bild ist visuell generisch und vermittelt nicht die strategische, UX/UI- oder typografische Komplexität des modernen Designs.
Alternativen und zu füllende Lücken: Zeige komplexes Wireframing, Code, Markenrichtlinien, Moodboards oder UX-Flussdiagramme. Zeigt einen Designer, der mit Programmen wie Figma, Zeplin oder Illustrator arbeitet. Der Schwerpunkt liegt auf der strategischen Planung und den Problemlösungsaspekten des Designs. Bilder, die zeigen, wie Designer/innen Ideen präsentieren, komplexe Abläufe skizzieren, mit Kunden zusammenarbeiten oder an nicht-visuellen Elementen wie Forschung und Datenarchitektur arbeiten.
Ein überzeugendes Bild von einem Designer, der realistisch arbeitet.
Tipps für angehende Stockfotografen und Kunststudenten: Dein Studio ist eine Goldmine für Stockfotos
Bist du Kunststudent/in oder ein/e aufstrebende/r Künstler/in, der/die Zugang zu einem Atelier und realistischen Requisiten hat und über technisches Geschick verfügt? Wenn ja, dann sitzt du auf einem goldmine. All die Klischees, die wir gerade behandelt haben, zeigen, dass diese kreativen Berufe in der Stockfotografie durchweg falsch dargestellt werden. Wenn du dich anstrengst und dich auf Authentizität konzentrierst, kannst du diese Marktlücke füllen und mit deinem eigenen kreativen Arbeitsablauf und Umfeld ein Einkommen erzielen.
Die ethische Note: Vergewissere dich, dass du die richtigen Modellfreigaben und Eigentumsrechte für deine Arbeit einholst, und ziehe in Erwägung, deine Künstlerkollegen an den Gewinnen zu beteiligen, wenn deine Dokumentation ihres Prozesses profitabel wird - oder dokumentiere einfach ihre Arbeit im Austausch für deinen Zugang. So erstellst du authentische, hochwertige Stockfotografien, die sich auch wirklich verkaufen.
Wie du mit dem Fotografieren von Stockbildern anfängst (wenn du noch kein Fotograf bist)
Du hast eine kreative Praxis, ein Auge für interessante Kompositionen und du hast bereits deine eigene Arbeit dokumentieren-oder du wolltest zumindest damit anfangen. Mit zusätzlichem Fotowissen und Zeit, die du mit dem Üben von Techniken verbringst, könnte das Erstellen von Stockfotos zu einem netten kleinen Nebenerwerb ein zusätzliches Einkommen.
Hier sind unsere besten Tipps und Anleitungen für Kreative, die in die freiberufliche Stockfotografie einsteigen:
- Der ultimative Leitfaden für den Kauf gebrauchter Kameras
- 12 Arten der Beleuchtung in der Fotografie
- Leitfaden für deine DSLR-Einstellungen
- 7 Wichtige Grundlagen der Fotobearbeitung: Unsere Top-Tipps für Adobe Lightroom-Tutorials
- Kreative Fähigkeiten für den beruflichen Erfolg stapeln
- Wie man Stockfotos verkauft
Wie du authentische Stockbilder einfängst:
Handel: Kontaktiere Künstler/innen, die Biobilder und Aufnahmen von sich bei der Arbeit benötigen - auch Installationsbilder - und tausche sie gegen die Nutzung zusätzlicher Aufnahmen, die du machen möchtest.
Verstehe das Medium/die Kunstpraxis. Sprich mit Künstlern, schau dir Interviews und Studioführungen an. Verschaffe dir ein Gefühl für die Realität, bevor du versuchst, dich ihr anzunähern.
Bring deine eigenen Requisiten mit. Verlasse dich nicht auf dein Model, wenn es nicht den Beruf ausübt, den du festhalten willst. Schau dir die Videos an, lerne etwas über das Medium und bring die Requisiten mit.
Erleichtere das Teilen deines Bestands und deiner Kundenarbeit
Präsentiere Galerien, liefere Dateien und lizenziere deine Bilder in einem Portfolio.
Versuch Format-für professionelle Fotografen, Künstler und Designer.
Mitwirkende
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Julia Martin ist eine interdisziplinäre Künstlerin und Autorin aus Montreal. Mit einem Master in Bildender Kunst und einem Bachelor in Fotografie hat sie ihre Werke schon in Kanada, China, Frankreich und Finnland gezeigt und war bei mehreren Künstlerresidenzen dabei. Sie hat an der Universität von Ottawa unterrichtet, war in Kunstjurys und hat fünfzehn Jahre Erfahrung als freiberufliche Fotografin. Julias eigene Kunst lässt sich am besten als "traurige Geschichten, unterbrochen von Witzen" beschreiben."
Manchmal ist es aber auch andersrum.
