Die Fantasie vs. die gelebte Erfahrung
Jetzt, wo ich schon seit über 15 Jahren als Künstlerin tätig bin, blicke ich auf mein früheres Ich zurück – diese naiv-begeisterte, aufstrebende Künstlerin – und versuche, einige der Annahmen und Erwartungen an das Künstlerdasein in Einklang zu bringen, die einfach nicht meiner gelebten Erfahrung entsprechen. Ich werde einige dieser Fantasien schildern, da sie mit der Realität von unsicheren Atelierverhältnissen, Zeitmangel, der Überbewertung von Technologie und ständiger Ablehnung oder Misserfolg kollidieren.
Mythos #1: Ein wunderbares Studioerlebnis
Was ich mir vorgestellt habe
Ich war fasziniert von den rauen Industriegebäuden, in denen etablierte Künstler arbeiteten. Die riesigen Lastenaufzüge mit herunterziehbaren Holzrollläden, die hohen weißen Wände oder die Reihen antiker Glasfenster zauberten mir ein romantisches Bild vor Augen, als ich mir vorstellte, wie ich in diesen Räumen fotografieren, Bilder bearbeiten oder malen würde. Das Bild von riesigen Decken, Betonböden und kreativem Chaos mit Materialien, die überall auf dem Boden verstreut lagen, zerbrach langsam aber sicher, als die Realität des Einzugs in meinen eigenen Raum einsetzte.
Mein erstes Atelier nach dem Studium war ein vielversprechender Start! Ich habe alles gespart, was ich hatte, indem ich bei meinen Eltern wohnte und mein gesamtes Einkommen für einen kleinen, 60 Quadratfuß großen, eigens dafür vorgesehenen Raum ausgab – mit Klebebandmarkierungen auf dem Boden und zwei Halbwänden aus Sperrholz in einem Gemeinschaftsraum mit über 20 anderen Mixed-Media-Künstlern. Dort gab es Maler, Schmuckdesigner, Bildhauer, Keramiker und Fotografen, die sich alle denselben energiegeladenen und kreativ pulsierenden Raum im Erdgeschoss von 87 Wade teilten – einem historischen Industriegebäude, das als Wohn- und Arbeitsraum dient, im West End der Stadt.
Was wirklich passiert ist (Umzüge, Miete, marode Infrastruktur)
Der Gemeinschaftsgeist war ansteckend, und lange Arbeitstage gingen nahtlos in gemütliche Abende über, an denen wir etwas tranken, uns unterhielten und Kunstwerke austauschten. Als die Mieten für das Gebäude jedoch in die Höhe schossen und die Räumlichkeiten auf allen vier Etagen renoviert und in schicke Gewerbeflächen für Tech-Unternehmen und hochkarätige Kreativbetriebe umgewandelt wurden, mussten wir alle ausziehen.
Seitdem war ich, wie viele andere Künstler auch, gezwungen, mein Atelier innerhalb von fünf Jahren viermal zu verlegen. Fast jedes Jahr musste ich mir aus irgendeinem lästigen und unoriginellen Grund ein neues Gebäude suchen: weil das Gebäude saniert und dadurch teurer wurde, weil die Mietdauer ablief oder sogar wegen eines schweren Einbruchs und Diebstahls.
Was ich gerne gewusst hätte
In Industriegebäuden mit feuchten Kellern, nachgerüsteten Sanitäranlagen, kaputten Fenstern, ohne Klimaanlage oder ordentliche Heizung eingesperrt zu sein, wurde ermüdend, zermürbend und unhaltbar. Das bringt mich zu meinem nächsten Punkt (und einer bitteren Erkenntnis): Ich habe meine ganze Zeit damit verbracht, meine künstlerische Praxis aufrechtzuerhalten, ohne genug Zeit zu haben, um sie tatsächlich auszuüben.
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Mythos #2: Du wirst so viel Zeit haben, wie du willst, um Kunst zu schaffen
Die unsichtbare Arbeit (Verwaltung, Angebote, Rechnungsstellung, Marketing)
Auch wenn man auf Instagram den Eindruck gewinnen könnte, dass Künstler den ganzen Tag in ihren Loft-Ateliers sitzen und malen, ist die Realität leider viel langweiliger. Die endlosen Stunden im Atelier, die du dir vorstellst – um Skizzen anzufertigen, Modelle zu fotografieren oder mit Ton an der Töpferscheibe zu experimentieren –, lassen sich einfach nicht mit den administrativen und logistischen Aufgaben vereinbaren, die nötig sind, um eine künstlerische Praxis aufrechtzuerhalten.
Ich würde schätzen, dass ich 80% meiner Zeit damit verbringe, Ausstellungsvorschläge und Förderanträge zu schreiben, Rechnungen zu erstellen, Fotos zu bearbeiten, Videos für Marketing und Social Media zu erstellen, an Besprechungen teilzunehmen oder Kurse zu geben, um mein Einkommen aufzubessern. Zwar ist die Behauptung, dass Künstler oder Fotografen völlige Autonomie genießen, ohne festen Zeitplan und ohne direkten Chef, technisch gesehen richtig, doch wer das glaubt, verschließt die Augen vor der Realität.
Wie diese Autonomie in Wirklichkeit aussieht? Man jongliert mit vielen freiberuflichen Aufträgen, darunter Unterricht, Stipendien, Pflegeaufgaben, Nebenjobs, andere Termine und die allgemeine finanzielle Unsicherheit, die eine Karriere in der Kunst nun mal mit sich bringt. Leider nein – Künstler sind nicht frei, den ganzen Tag nur Kunst zu machen.
Der Mythos “Freiheit”; eine realistische Zeitaufschlüsselung
Die traurige Realität ist, dass die Freude und das Vergnügen, die wir daran haben, die qualifizierte Arbeit zu erledigen, für die wir ausgebildet wurden, oft nur 10% – 20% unserer Zeit ausmachen.
Das Künstlerdasein lenkt unseren Fokus und unsere Aufmerksamkeit ständig in andere Richtungen, damit wir die Chancen, Auftritte und Ausstellungen bekommen, die wir brauchen, um unsere Werke zu präsentieren und zu schaffen. Dieser Spagat kann sich oft nachteilig auf die psychische und physische Gesundheit eines Künstlers auswirken, da dies keine nachhaltige Arbeitsweise ist.
Der Mythos der Freiheit ist einer der verführerischsten Irrglauben rund ums Künstlerdasein. In der Praxis ist diese Freiheit jedoch oft geprägt von unregelmäßigen Einkünften, unbezahlter Arbeit, projektbezogener Tätigkeit und dem Fehlen von Sozialleistungen oder langfristiger Sicherheit.
Mythos #3: Glänzende neue Technik macht dich zu einem besseren Künstler
Tools können helfen – aber sie ersetzen die Vision nicht
Wir alle waren schon mal in dieser Situation, in der wir glauben, dass ein teures neues Tablet, ein Stylus oder ein neues Makroobjektiv uns dabei helfen wird, unsere Träume viel leichter zu verwirklichen. Oder wir denken, dass diese bestimmte Marke von Ölfarben über den Erfolg oder Misserfolg unserer Karriere entscheiden wird.
Nun bin ich natürlich immer wieder in diese Falle getappt, also könnte das hier eine Situation sein, in der es heißt: “Tu, was ich sage, nicht, was ich tue.” In Wirklichkeit machen uns die Werkzeuge nicht zu besseren Visionären. Das Talent und die harte Arbeit, die nötig sind, um eine Praxis aufrechtzuerhalten, sind es, die unsere Fähigkeiten als Künstler und Kreative wirklich voranbringen.
Die Gefahr, Technologie zu hoch zu bewerten (und Fachkompetenz zu unterschätzen)
Die verlockende Ausrüstung oder das Zubehör mag zwar helfen, Selbstvertrauen aufzubauen, eine Aufgabe zu vereinfachen oder die technischen Voraussetzungen für alle gleichzustellen, aber überschätze nicht, was eine ausgefallene Software oder ein 3D-Drucker für dich leisten kann. Diese Überbewertung führt dazu, dass die tatsächlichen künstlerischen Fähigkeiten und das technische Wissen eines Künstlers unterschätzt werden, da immer mehr Stimmen die Arbeit eines Fotografen vereinfachen oder herabsetzen.
Aus diesen Vorstellungen entstehen weit verbreitete Vorurteile wie “Fotografen drücken nur auf einen Knopf” oder “Die Kamera erledigt die ganze Arbeit”. Wenn das wahr wäre, würden die schicksten Kameras und Beleuchtungsanlagen der Welt die besten Kunstwerke hervorbringen. Wir wissen, dass das nicht stimmt, und diese Vorstellung unterschätzt die jahrelange Erfahrung, Weisheit und das Wissen, das man durch das Verständnis von Timing, Bildbearbeitung, Bildkomposition, Regie oder sogar davon, wie sich das Sonnenlicht im Laufe der Zeit bewegt und verändert, erlangt.
Nimm dir diese Wahrheit zu Herzen: Es gibt kein Werkzeug, keine Technik und keine KI-generierte Software, die künstlerische Vision wirklich ersetzen könnte.
Mythos #4: Erfolg bedeutet Sichtbarkeit (und weniger Ablehnung)
Ablehnung hört nicht auf – sie wiederholt sich
Und schließlich der gefürchtete ständige Begleiter aller Kreativen: Ablehnung und Misserfolg. Es ist echt herzzerreißend, sich ständig auf Ausschreibungen, Ausstellungen, Preise oder Stipendien zu bewerben, nur um dann die klassische E-Mail mit den Worten “Wir bedauern, Ihnen mitteilen zu müssen …” zu erhalten.
Dieser Aspekt unserer Kreativbranche spielt eine Rolle, egal in welcher Phase deiner Karriere du dich gerade befindest. Der Wettbewerb um die wenigen Chancen bleibt konstant, egal ob du ein etablierter, ein Künstler in der Mitte deiner Karriere oder ein Nachwuchskünstler bist. Und obwohl das so ist, kann eine Ablehnung niederschmetternd sein. Du fühlst dich völlig unsichtbar. Dein Selbstvertrauen ist erschüttert, du zweifelst an deinen eigenen Fähigkeiten und deinem Wissen und vergleichst dich ständig mit anderen Künstlern oder Projekten.
Leider passiert das jedem einzelnen Künstler (mich eingeschlossen), und ich habe keinen guten Rat, wie man dieser erdrückenden Verzweiflung begegnen kann – außer sich eine Packung Matcha-Eis reinzuziehen, Reality-TV zu schauen und eine Therapie zu machen, um die Gefühle zu verarbeiten.
Die meiste künstlerische Arbeit findet im Verborgenen statt
Wenn es um Aufmerksamkeit geht, konzentrieren sich unsere Erfolgserwartungen auf Anerkennung: Ausstellungen, Veröffentlichungen, Preise. Dabei vergessen wir, dass der Großteil der künstlerischen Arbeit in langen Phasen der Unsichtbarkeit stattfindet. Oft dauert es Jahre, bis Projekte fertiggestellt sind, und sie finden kaum Anerkennung von außen; unzählige Bewerbungen bleiben unbeantwortet.
Anerkennung ist, wenn sie denn kommt, oft nur teilweise und vorübergehend. Die Regel ist nicht Sichtbarkeit – es ist vielmehr Unbekanntheit, unterbrochen von kurzen Momenten der Aufmerksamkeit.
Beharrlichkeit als das eigentliche Unterscheidungsmerkmal
Wenn ich mir etabliertere Künstler anschaue, die mit frischen und abwechslungsreichen Projekten oder Perspektiven eine lange Karriere hingelegt haben, kommt es mir so vor, als seien diese gefeierten Künstler hartnäckig, weise und stets bereit, mehr Ablehnung in Kauf zu nehmen, als man ihnen zutrauen würde. Vielleicht ist es das Überleben der am hartnäckigsten sondern vielmehr die Fähigkeit, sich anzupassen – das ist für Kreative unerlässlich, um in der Branche erfolgreich zu sein.
Was ich mir erhoffe, dass ihr daraus mitnehmt – und wie ihr weitermacht
Jeder liebt die Vorstellung vom Künstler. Das Bild ist leicht vorstellbar: eine Gestalt, die sich frei durch die Welt bewegt, von ihrer Intuition geleitet, Licht in Bedeutung verwandelt und ein Leben führt, das eher von Visionen als von Verpflichtungen geprägt ist. Der Künstler, insbesondere der Fotograf, wird sich als jemand vorgestellt, der Dinge wahrnimmt, den Blickwinkel wählt, festhält – und dabei tiefe Bedeutung schafft, die es wert ist, geteilt oder der Welt präsentiert zu werden.
Doch die Romantisierung des Künstlerdaseins hat ihre Wurzeln in den Problemen, die mit seiner schillernden Aura einhergehen. Das tiefste Missverständnis besteht darin, wie die breite Öffentlichkeit (oder andere Künstler selbst) das Bild des Künstlers, während man die unglaublichen Bedingungen außer Acht lässt, die nötig sind, um einen solchen zu erhalten.
Vielleicht müssen wir uns alle einfach mal wieder den Unterschied zwischen der romantischen Vorstellung davon, “Künstler zu sein”, und der Realität, “künstlerisch tätig zu sein”, vor Augen führen. Ersteres ist vage – wer entscheidet denn, wann man ein Künstler ist? Viele zeitgenössische Künstler zitieren gerne den Satz: “Wenn du Kunst machst, dann bist du ein Künstler.”
Letzteres trifft den Kern der Sache: Ein praktizierender Künstler zu sein, lässt bereits erahnen, wie viel Arbeit und Ausdauer nötig sind, um Kunst als Beruf auszuüben. Die Mythen rund ums Künstlerdasein werden wohl weiterbestehen – aber mit einer gesunden Portion Realitätssinn kannst du das auch.
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